LES CHRONIQUES DE BLAKE

ROVER, ça tient plutôt la route

2012-03-06T20:00:00.244+01:00

Déjà repéré avant ma petite absence, voilà tout naturellement que je rouvre avec ce disque. Pas si souvent que je me penche sur un artiste français, mais pas un hasard non plus si l'album de ce nouveau venu sur la scène française attire fort l'attention ces temps-ci.
Physique inhabituel pour un lyrisme peu courant par chez nous, pop romanesque aux fortes effluves britanniques, Rover se démarque, se remarque, dont Aqualast est la tubesque carte de visite :

Efficacité immédiate et omniprésence sur les playlists des radios dont on aurait aussi tendance à se méfier, Rover pourrait aussi n'être vu que la sensation pop fédéraliste d'un moment, comme le furent Aaron, Cocoon et autres Puggy.

On laisse reposer et on y revient doucement, troublé par l'intensité vocale du bonhomme, timbre costaud jonglant avec les graves et les aigus, cousinage proche de Jeff Buckley ou Thom Yorke. Et par l'évidente fluidité musicale du projet, classique agrémenté de discrètes touches vintage, de sa pop habitée (beau Queen Of The Fools) au romantisme noir couleur new wave, très The Auteurs / Luke Haines (bien vu Charlu) souvent plus ténébreux que vraiment grand public.

Doux ogre au parcours de baroudeur (ex-punk rocker au Liban) déjà bien rempli, Timothée Reignier a/k/a Rover fait montre d'un spleen ombrageux et d'un gros appétit musical (emprunts à Gainsbourg, Killing Joke, Radiohead). Une boulimie et de multiples influences qui font aussi, soyons franc, l'aspect patchwork de cet opus, son côté brouillon et son lyrisme enflammé l'amenant à une emphase vocale digne de Muse (Full Of Grace) ou écarts trop mélos (l'encombrante Carry On) parfois gênants.

Restrictions qu'on mettra sur le compte de la maladresse des premiers pas, Rover promet sans être encore la merveille lue partout. Mais ceci posé, le potentiel artistique (et scénique) du garçon et les fulgurances de cet album inaugural laissent présager du meilleur. Si les références indie et la musique grand public pouvaient plus souvent se fondre, la pop, française ou pas, ne devrait que mieux s'en porter :

Rover. Rover (Cinq 7/Wagram) paru le 27 février
♥♥
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facebook rover

DAVID SYLVIAN dans les étoiles

2012-02-29T17:48:00.023+01:00

Rapide billet avant quelques jours de vacances et donc de mise entre parenthèses (rapide aussi, j'espère) du blog. Avant de se retrouver, petit coup de projecteur dû au retour dans l'actualité discographique d'un vieil ami.
Même seulement à l'occasion d'une compilation, toujours indispensable de saluer la figure de l'impeccable David Sylvian déjà évoqué ici.

Artiste libre, figure artistique majeure depuis les années 70/80, l'ex dandy de Japan au timbre voilé unique, orfèvre pop haut de gamme que progressif rock avant-gardiste, jazz contemporain ou abstract ambient, est de ceux dont la figure, trop peu souvent saluée, ont bâti une oeuvre aussi exigeante que dégagée des pressions d'un milieu musical souvent superficiel.

Chamane esthète, crooner spirituel, paysagiste sonore, le créateur du label Samadishound, est un compagnon musical que l'on est toujours content de recroiser. Ses dernières années ayant vu les projets Sleepwalkers, recueil de ses récentes collaborations ou Died In The Wool, relecture de l'album précédent, on peut juste déplorer que ce soit avec une compilation de plus, et pas un nouveau VRAI projet.

Signe d'un petit surplace dans son inspiration ou volonté de sa maison de disques à la veille d'une nouvelle tournée mondiale de l'artiste ?
Qu'importe, retrouver l'univers de l'ermite anglais est toujours un bonheur renouvelé, même avec d'infimes changements dans la tracklist depuis la précédente Everything And Nothing : un remix du Ghosts de Japan, A Fire In The Forest, relecture tirée de Blemish, trois morceaux en compagnie des Nine Horses ou un inédit final.

Peu de découvertes pour les habitués c'est vrai, mais pour les autres, sans doute la plus juste porte d'entrée sur les riches terres sylvianesques. Un tour d'horizon en deux parties, des grands opus pop arty fin des années 80 (Brilliant Trees, Secrets Of The Beehive) à la période Samadishound, expérimentations autant exigeantes que souvent déroutantes (Blemish, Manafon) entouré de collaborateurs de haut vol, Robert Fripp, Christian Fennesz ou Burnt Friedman.

Voici le morceau rare (bizarrement absent ici) en compagnie d'Hector Zazou qui donne son titre à cette compilation :

et l'inédit 2012 Where's Your Gravity :

En espérant que l'artiste, qui a annulé sa tournée Implausible Beauty 2012 pour raisons de santé, une fois en meilleure forme, s'attaque à un projet VRAIMENT neuf. Pourquoi pas un album plus mélodique avec une grande pointure de producteur (Danger Mouse, Nigel Godrich). Et étrange, non, qu'il n'ait jamais travaillé avec le maître ambient Brian Eno ? Voilà une idée à lui suggérer, si jamais vous le croisez. À très vite !

Disc One :
1. Ghosts (Remix) 2. Bamboo Houses
3. Bamboo Music 4. Forbidden Colours
5. Red Guitar 6. The Ink In The Well
7. Pulling Punches 8. Taking The Veil
9. Silver Moon 10. Let The Happiness In
11. Orpheus 12. Waterfront
13. Pop Song 14. Blackwater
15. Every Colour You Are 16. Heartbeat (Tainai Kaiki II, Returning To The Womb Remix)

Disc Two :
1. Jean The Birdman 2. Alphabet Angel
3. I Surrender 4. Darkest Dreaming
5. Fire In The Forest 6. The Only Daughter
7. Late Night Shopping 8. Wonderful World
10. The Banality Of Evil 11. Darkest Birds
12. Snow White In Appalachia 13. Small Metal Gods
14. Should Not Dare 15. Manafon
16. Where's Your Gravity ? (previously unreleased)

David Sylvian. A Victim Of Stars 1982-2012 (EMI Music) paru le 27 février
♥♥♥♥
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david sylvian
samadishound

Le grand amour HOORAY FOR EARTH

2012-02-27T23:00:00.074+01:00

Hourra! Cet album est enfin sorti ! Peut-être que sa parution me libérera de l'emprise redoutable que ce premier album officiel du groupe Hooray For Earth exerce sur moi depuis qu'il m'est tombé entre les oreilles et calmera ma légère fixation d'obsessionnel.

Véritable drogue dure à laquelle l'auteur de ces lignes a cédé sans résistance, quasi intoxiqué du soir au matin, n'attendez pas de moi de parler objectivement de True Loves, qui à coup sûr fera naître autant de supporters accros qu'il éloignera à grands cris les autres.
Après deux EP dont Momo en 2010, cette galette qui met au grand jour la musique de ce gang de New Yorkais qui s'est taillé un joli succès depuis sa sortie américaine l'an dernier, récoltant même les honneurs de la bible Pitchfork, est du genre à créer une nouvelle bataille d'Hernani.

À gauche : ceux qui fonderont sans réserve pour le son spatio-tribal des romances synthétiques germant dans le cerveau fécond de leur leader Noel Heroux. À droite : les intégristes défenseurs du bon goût qui s'offusqueront du tout synthétique d'une production électro pop aux plans mainstream droit sortis des années 80, vous savez, celles qui donnent à beaucoup des boutons.

D'ailleurs, comment leur donner vraiment tort face à cette machine à tubes aussi brillante que parfois racoleuse ? Ainsi, comme une bête à l'étrange ADN, Hooray For Earth est autant l'énième version hype du courant indie pop de Brooklyn (hier fluo kids), cousins consanguins de MGMT, Yeasayer, Violens ou Rainbow Arabia que la dernière émanation du revival synth pop eighties qui submerge ces derniers mois la sphère indie.

Mais ... comment dire ? Ici tout semble guidé par la grâce, la folie et le flirt avec la démesure et l'excès. Grâce mélodique de refrains tubesques flirtant avec les étoiles avec choeurs juvéniles dignes de Beach Boys jouant sur du Gary Numan, repoussant les limites du ciel (Last Minute, chanson inusable) et aux climats hypnotiques nocturnes (Hotel, Same) :

Folie d'une production électro-machinique aussi synthétique que bigger than life, comme un absolu pop qui repousserait les limites de la réalité pour se réfugier dans les méandres d'un son É-NOR-ME, vaisseau spatial sonore électro-tribal en apesanteur (Sails) qui réussit là où le Odd Blood des Yeasayer a échoué et en comparaison de laquelle le son du premier MGMT paraît presque sage :

Et la démesure qui va avec, le flirt avec le too much, trop-plein ou mauvais goût qui voit la bande à Heroux gorger chaque piste de sons, échos, bruitages déformés bizarres, comme des gamins boulimiques ayant peur du vide.
La fête sonore tribale néo-païenne porte en elle, comme chez leurs collègues de Violens, sa propre gueule de bois et s'autorise des réhabilitations impensables. Lorgnant bien sûr vers les fondamentaux new wave (OMD, Depeche Mode), le nostalgique Heroux ose convier à la noce la synth pop toujours conspuée par certains d'Human League, ELO, Howard Jones. Voire pire : l'ombre infamante du Genesis commercial de Invisible Touch sur la tapageuse Bring Us Closer Together !

Autant de pièces brûlantes au dossier qui achèveront de faire fuir les réfractaires, alors qu'il me renforce, jusque dans ses défauts, dans l'attachement singulier que je porte à la production du taciturne song writer et super mélodiste Heroux, cachant sous un vernis pop apparemment euphorique et un timbre adolescent un décelable vague à l'âme mélancolique.

Comme un Brian Wilson génération 2.0. capable de clore dans un mantra hypnotique infini ("Over and out, until I'm under a exit sign") sur le Black Trees final, un album épique, excitant, obsédant, qu'on pourrait qualifier de petit chef-d'oeuvre du genre :

En tout cas, un p... de bon album, bon sang ! Un de ceux qui, sous sa magnifique pochette intrigante de scarabée ou masque japonais, à l'instar du Oracular Spectacular de MGMT, Clinging To A Scheme de The Radio Dept. ou Forget de Twin Shadow, d'ailleurs copain avec eux, constitue une de mes drogues musicales et meilleurs exemples de pop addictive, intelligente et vivante.

De la pop moderne, quoi. Rien que pour ça, J'ADORE True Loves.

Tracklist :
1. Realize It's Not The Sun
2. Last Minute
3. Sails
4. True Love
5. Same
6. Hotel
7. No Love
8. Bring Us Closer Together
9. Pulling Back
10. Black Trees

Hooray For Earth. True Loves (Dovecote Records / PIAS) Paru le 27 février

♥♥♥♥♥
ALBUM COUP DE COEUR - DISQUE DU MOIS

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Hooray For Earth

Bonus, un titre concocté avec Twin Shadow :

Le spleen PERFUME GENIUS

2012-02-26T21:30:00.011+01:00

On ne brisera pas le rythme au ralenti de ce weekend. Juste un atterrissage en douceur en compagnie des dernières complaintes intimistes de Perfume Genius.

Ce n'est pas qu'avec cette nouvelle livraison, le torturé Mike Hadreas ait modifié les éléments qui présidaient à son premier opus Learning : ballades désolées, piano triste, filet de voix chagrine.
Mais sans rien changer, ou si peu, à sa formule musicale, à son inspiration de garçon sensible et l'imagerie gay qu'il revendique, jusqu'à à la surjouer dans ses clichés, avouons que ce Put Your Back N°2 It retient bien plus l'attention.

Partageant le même penchant maniériste, voire l'affectation qui en rebutent certains chez ses confères Antony &The Johnsons ou Scott Matthew, le frêle Hadreas réussit ici à transcender le risque d'auto-apitoiement ou de complaisance larmoyante que guette ce genre d'exercice.

Recueil désolé de pièces courtes à l'humeur changeante, d'inspiration gospel ou folk indie, son nouveau journal intime affiche une couleur mélodique plus affirmée, habillé d'orchestrations plus colorées (batterie, guitares, synthés) qui donnent corps et chair au spleen permanent de l'artiste (solitude, abandon, addiction diverses) pour que l'ensemble évite le piège de la monotonie :

Pour un récit à la tonalité grave mais à la luminosité permise (Normal Song) parsemée de touches atmosphériques ambient (Floating Spit, All Waters) dignes d'une B.O. de David Lynch qui ajoutent une part de grandeur et de mystère à ses vignettes indie.
Cherchant dans l'éternel mélancolie des romantiques un début de réconfort et d'apaisement tout en laissant se déployer l'énergie de ses morceaux, Perfume Genius réussit à dénicher de petits moments hors du temps et de beauté fragile, pas si loin de Patrick Watson :

Ce qui confirmera aux habitués familiers des vertiges du spleen - comme votre serviteur - la singularité de la mélancolie. Pour peu qu'on s'y adonne armé de bréviaires inspirés comme ici, il n'est souvent pas bonheur plus doux.

Perfume Genius. Put Your Back N 2 It (Turnstile / Matador) paru le 21 février
♥♥♥(♥)
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La douceur PETER BRODERICK

2012-02-25T23:58:00.023+01:00

Dans la série "albums-sortis-de-nulle-part", en voilà une bonne pioche ! Une découverte rencontrée au hasard de la lecture de La Musique à Papa, de l'ami Vincent, adresse plus que recommandable.

Avec son titre en forme d'adresse internet, l'album http://www.itstartshear.com est la énième publication de l'hyperactif Peter Broderick, multi-instrumentiste abonné aux nombreuses collaborations (M. Ward, Efterklang, Dolorean) dont celle qu'il poursuit avec le pianiste Nils Frahm semble être la plus créative et la plus fructueuse.

Manifestement, les deux solitaires s'inspirent mutuellement, preuve en est la présence du musicien allemand comme producteur de cet opus fluide et rayonnant :

Emprutant autant l'intimisme d'un folk élégiaque hérité de Nick Drake qu'aux volutes d'archet subtiles d'Andrew Bird qui nous revient en mars prochain, ou la classe d'arrangements soyeux dignes d'Owen Pallett (A Tribute To Our Letter Writing Days), la musique aux morceaux grands ouverts des deux compères s'avère limpide et aérienne. Elle distille une élégance et une constante luminosité, de notes de piano égrenées en cordes et arpèges de guitares accueillantes, où il fait bon se lover sans réticence.

Un travail sonore élaboré en toute complicité et esprit d'improvisation, s'aventurant autant sur des chemins instrumentaux cinématographiques (Asleep) qu'abordant franchement les rivages pop, voire les formats proches du rap ou spoken word, sur le décalé It Starts Hear :

Travail d'artisans modestes mais inspirés, ce disque de faux sages confirme la belle santé d'une pop indépendante ouvragée par de discrètes personnalités, (on citera aussi Ólafur Arnalds ou Yellow Ostrich), doux excentriques à la belle sensibilité.

Le rayon de soleil musical de votre weekend qui sera la parfaite bande-son de vos belles journées d'hiver et, à mon avis, bien au-delà.

Peter Broderick. http://www.itstartshear.com (Bella Union) paru le 20 févier
♥♥♥♥
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Le replay du jeudi : CHEVAL SOMBRE

2012-02-23T23:58:00.035+01:00

Malgré l'avalanche de nouveautés qui semblent vouloir nous ensevelir ces derniers temps, ce jour-ci sera l'occasion de s'en détacher temporairement et d'ouvrir une nouvelle rubrique, que j'espère la plus régulière possible. Un prétexte à retrouver vieilleries oubliées ("Memory Of The 80's" pas encore morte!), ressortir disques oubliés, déterrer bizarreries étranges ou revisiter albums non repérés lors de leur sortie. Ainsi, le premier objet qui inaugure cette série appartient-il à la dernière catégorie.

Honteusement loupé par votre serviteur en 2009, la musique de Cheval Sombre, taciturne animal musical, navigue en cavalier solitaire entre folk et psychédélisme rock, passé et présent, voire futur, pour un opus à la singularité somme toute intemporelle.

L'album de ce discret équidé, déjà auteur d'une poignée de EP négligemment égrenés, est un bloc de sérénité flottante et d'accueillante obscurité. Rejeton calme et tranquille du Velvet Underground ayant croisé le folk décharné d'Elliott Smith, le tout ressuscitant le cocon shoegaze aux couleurs psyché rock inventé par les géniaux frères Reid de Jesus & Mary Chain :

Rien de surprenant alors de retrouver aux manettes de producteur-organisateur de cet hypnotique voyage immobile façonné avec patience le nom du sorcier sonore Peter Kember a/ka/ Sonic Boom : l'ex-Spacemen 3, producteur en vue (Panda Bear, MGMT) et maître de la transe néo-psychédélique a habillé avec sa science de l'écho réverbéré et des dérives électroniques les longues pièces flottantes du très secret Christophe Porpora a/k/a Cheval Sombre.

Entre léthargie onirique, échos musicaux tirés du sommeil paradoxal et lambeaux de folk séminal en lévitation, l'album faussement monolithique de Cheval Sombre tricoté avec patience pendant plus de trois ans, s'il emprunte certes des voies déjà connues, résonne d'une paradoxale fraîcheur. Imposant avec langueur un temps étiré, dilaté, langoureux, ouvrant une brèche temporelle, une accueillante bulle dégagée d'effets superflus, aux tournures quasi élisabéthaines gentiment mystiques parfois proches d'un Cass McCombs :

Une hypnotique traversée hautement recommandable dont je dois la connaissance grâce aux deux loustics de MGMT et leur copieux choix de titres sélectionnés pour la récente compilation LateNightTales. Comme des étudiants studieux repentants, il n'est rien de mieux parfois que de rattraper son retard, même par les voies détournées les plus inattendues.
Plaisir ineffable de la découverte, même à contre-temps.

1. It’s A Shame
2. Little Bit Of Heaven
3. Troubled Mind
4. Julie Don’t Go Down
5. I Get Around
6. I Found It Not So
7. I Sleep
8. Hyacinth House
9. The World Is Wrong
10. I’ve Been All Around This World
11. The Strangest Thought I Never Had

Cheval Sombre. Cheval Sombre (Double Feature Records) Paru en 2009
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Les vieux amis des TINDERSTICKS

2012-02-20T23:50:00.322+01:00

Voilà une semaine qui débute sous le signe du changement dans la continuité : ce lundi voit la sortie du neuvième et nouvel album de vieux amis. Et les vieux amis, c'est bien connu, on peut passer des mois, voire de longues années sans les revoir. Pas qu'on ne les aime plus, mais n'est-ce pas... les nouvelles têtes, les changements, nous en écartent.

Pareil pour le spleen éternel et atmosphérique des Tindersticks, mais n'est-ce pas... l'envie d'autre chose, l'attrait du neuf, nous ont parfois fait perdre de vue un groupe placé depuis quasiment 20 ans sous le signe du classicisme et traçant obstinément toujours le même sillon, langoureux comme la voix de crooner baryton de Stuart Staples.

Perdus de vue mais retrouvés avec le récent Falling Down A Moutain de 2010, le gang préféré de Claire Denis revient pour un énième tour de danse qui a tout d'un (feutré) feu d'artifice, le (discret) couronnement d'une rare intransigeance artistique à saluer :

The Something Rain, c'est, à l'image du titre d'ouverture Chocolate, récit en spoken word cinématographique en diable, du Tinderticks pur jus. Un voyage mid-tempo racé, balancement chaloupé, écrin sonore scintillant aux accents easy listening sophistiqués de nos vagues à l'âme les plus intimes métamorphosés en somptueuse B.O. au décor nocturne.

Moins western ou expérimental, orné d'un redoutable groove soul, d'une note pop ambiance aquarium bleu nuit au son parfait, un concentré de l'art Tindersticksien, délicat équilibre entre raffinement d'esthète et neurasthénie mélancolique au vrai pouvoir d'envoûtement. Pas loin d'une transe fiévreuse comme le morceau de bravoure de l'album, le redoutable Frozen :

L'éternelle formule des anglais qui n'a jamais été aussi proche d'un mix rêvé entre la classe de Lee Hazlewood, la tension du groupe Morphine ou la suavité des B.O. de John Barry.

Et m'est avis qu'il est conseillé d'apprécier à sa valeur ce cru 2012. Car selon des échos insistants - que j'espère d'ailleurs voir contredits si jamais vous en savez plus - l'aventure collective Tindersticks risque fort de se clore avec cet épisode-ci, aboutissement éclatant d'un parcours discret mais intense.

Stuart Staples et ses compères vogueraient donc vers d'autres aventures en nous offrant cette dernière récolte en forme de cadeau d'adieu.
De quoi se réjouir vu sa qualité : ronde, charnue, forte en bouche. Tout en regrettant déjà que, si la méchante rumeur se confirme, on n'ait recroisé ces vieux amis que pour ne plus les revoir ensuite. Alors, vite : ne pas passer à côté et à savourer, ici, maintenant.

Tindersticks. The Something Rain (City Slang) paru le 20 février
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tindersticks

SOAP & SKIN, épisode 2

2012-02-19T23:58:00.273+01:00

Il en va parfois des disques comme des films au cinéma : certaines suites s'avèrent étrangement plus attirantes, plus convaincantes que leur chapitre inaugural.

Ainsi, Lovetune For Vacuum, premier opus d'une noirceur sépulcrale de la jeune autrichienne Soap & Skin avait indubitablement marqué les esprits en 2009 genre "plus-morbide-tu-meurs". Mais l'allure de vamp(ire) gothique d'Anja Plaschg d'une radicalité accentuée par une théâtralité vocale très adolescente (Thanatos, Marche Funebre) avait de quoi, au choix : rebuter l'auditeur, ou bien la figer auprès des récentes Zola Jesus ou Bat For Lashes dans une posture susceptible de n'attirer que la clientèle des corbeaux gothiques

Trois ans plus tard, alors qu'on ne l'attendait pas vraiment, l'ado torturée est devenue une jeune femme dépouillée d'artifices et nous revient, après la perte de son père, avec un mini album EP 8 titres. Sans rien renier de sa fibre dramatique - on ne rigole pas chez les autrichiens - le spleen de Soap & Skin retient plus l'attention, plus incarné, plus vibrant.

Narrow est un tombeau musical, un disque d'exorcisme personnel où la voix profonde à l'accent guttural de la chanteuse proche de celui de la mythique Nico, dépasse l'exercice imposé et semble souvent traduire sa douleur (intense Vater, dédié à son père), voire guérir ses tourments (Cradlesong) :

Étrange charme hybride dégagé par cet opus à la croisée des chemins qui semble un instantané de son inspiration, composite et inégale : si ses tentatives électro-rock glacées genre sous-Fever Ray semblent une voix sans issue (Deathmental), souvent ses ballades au piano, intimistes et suspendues, respirent d'un rayonnement sensuel inattendu et touchant, ainsi sur la bien-nommée Wonder et ses choeurs apaisants, perle du disque qui donne le frisson :

C'est bien simple : même sa reprise incongrue du Voyage Voyage de Desireless - pas forcément une bonne idée sur le papier - ici enrobée de cordes désolées et recueillies s'insère finalement de manière réussie et naturelle dans ce journal intime musical. Une photographie hétéroclite mais fidèle d'une jeune artiste propice à sortir de ses propres schémas et bien capable de nous réserver des surprises à l'avenir. Du moins, on le lui souhaite.

Soap & Skin. Narrow (PIAS) paru le 13 février

♥♥♥

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Le menu LILACS & CHAMPAGNE

2012-02-15T23:58:00.360+01:00

Voilà encore une galette que je n'aurais pas rencontré tout seul et qui démontre, si besoin était, l'utilité de la lecture de ses blogs favoris, en l'occurrence celui des Chroniques de Charlu. Une découverte effectuée à la faveur d'un nom alléchant, d'une pochette sibylline et des lignes éclairantes de l'ami Charlu : "épopée fantomatique" ou "collage trip-hop et post-rock".

Entre B.O. instrumentale vibrante de voix samplées, hip-hop atmosphérique et B.O. ambient zébrée de sons world, le projet atypique de Lilacs & Champagne impose son évidente coolitude mid-tempo, à savourer comme une salutaire pause musicale régénérante :

Après infos, on découvre autant l'identité des auteurs de cette réjouissante auberge espagnole musicale (Alex Hall et Emil Amos) que l'ampleur de sa propre ignorance en apprenant que les deux oiseaux officient déjà comme guitariste et batteur au sein du groupe rock instrumental Grails : et voilà des devoirs musicaux à rattraper en perspective.

N'empêche, pour déroutant et étrangement goûtu en bouche parfois que soit leur spécialité, la recette psyché/ambient/rock de ces D.J. metteurs en son farfouille dans d'inhabituels samples, disques folk polonais, obscures voix soul, volutes de world music marocaine ou asiatique. Et élabore un roboratif mille-feuilles sonore parsemé d'un psychédélisme en apesanteur, alors pas si loin des délicieux Peaking Lights (Lilacs, Laid Fucking Back) ou d'une brume cinématographique aux accents gothiques (Everywhere Everyone, Midnight Creeper) :

Un sympathique ODNI (objet discographique non identifié), sans doute un peu court dans sa durée. Mais au fort pouvoir d'évasion et à la nature hautement cinématographique, qui confirme la valeur grandissante du label Mexican Summer, déjà signataire des trouvailles Part Time (chronique perso) ou Oneohtrix Point Never.

En remerciant pour finir comme il se doit l'ami Charlu, mélomane affamé et peintre passionné, dont la lecture régulière du blog s'impose désormais à vous : les chroniques de Charlu

Lilacs & Champagne. Lilacs & Champagne (Kemado Records/Mexican Summer) paru le 31 janvier
♥♥♥
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mexican summer

La pop céleste de AM & SHAWN LEE

2012-02-10T23:58:00.022+01:00

Marre comme tout le monde du froid et de la neige qui s'incrustent sans qu'on ne leur ait rien demandé ? En ouverture de ce weekend, rien ne vaut une petite infusion de Celestial Electric. Une galette qui fera idéalement office de cure musicale de repos et d'évasion, une trouvaille rencontrée grâce à l'indispensable lecture du blog Des Chips et du Rosé de l'ami Benoit.

Refuge rêvé loin de toute agression hivernale, la musique de AM & Shawn Lee vous transporte en une note vers une oasis ensoleillée, mix de pop aérienne, funk groovy et pop acoustique soignée aux réminiscences années 70. Un accueillant objet atemporel façonné à quatre mains par le californien AM et l'anglais Shawn Lee qui ont scellé via le net leur collaboration à distance sous le signe des B.O. rétro seventies et de la sunshine pop légère et scintillante :

Un travail à deux têtes à l'image de l'album de Cant, la collaboration Chris Taylor-Twin Shadow, pour cette échappée rétro-futuriste aux airs de boîte à bonbons pop acidulés, mariage inattendu du goût d'un Danger Mouse pour les sonorités vintage et de la pop catchy tendance Phoenix/Tahiti 80.

À croire que le chanteur du groupe rouennais Xavier Boyer aurait pu poser sa voix sur cet album, vu la troublante similarité vocale à reconnaître tout le long de l'album :

Quoiqu'il en soit, Celestial Electric fera le bonheur des amoureux des ambiances multicolores estampillées seventies aux choeurs en apesanteur (Jackie Blue, Winter Sun) et dégèlera votre esprit engourdi par le froid mordant par son côté feel good music et sa couleur fusion groovy prononcée (une section rythmique d'enfer signée AM).

Une modeste échappée qui tombe à point nommé sans être un super grand disque, avouons-le, le dessert étant un peu light et parfois chargé en glucose. Mais en cette période rigoureuse, toute énergie positive - d'autant plus électrique (!) - susceptible de nous faire survivre à cet hiver ne saurait être négligée. Bonne cure céleste à tous !

AM & Shawn Lee. Celestial Electric (ESL Music, Inc) paru en 2011
♥♥♥
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am & shawn lee

Les (bonnes) vieilles idées de LEONARD COHEN

2012-02-08T23:58:00.042+01:00

On pouvait se demander à juste titre, vu la richesse de l'actualité musicale enfin retrouvée, les nouveautés en pagaille qui nous attendent chaque semaine, si se pencher sur un nouveau disque de Leonard Cohen valait la peine. Cela, tant les dernières productions du vieux moine canadien depuis vingt ans avaient tout de l'anecdotique, affadissant à coup de lounge music le caractère mythique de cet artiste essentiel, lequel n'est quand même pas un quelconque pousseur de goualante.

Prophète du désastre, prêcheur folk, Cioran du rock, l'auteur de Bird On A Wire et Halellujah est l'incarnation même du song writer d'exception, du pessimisme en marche et de l'indépendance faite homme : on ne compte plus les générations de chanteurs rock qui n'existeraient pas sans son exemple d'intégrité artistique, voir l'hommage des Inrocks I'm Your Fan.

Longtemps remisée, l'écoute de Old Ideas a quand même eu lieu eu égard aux souvenirs : le vinyle de son Greatest Hits tout de beige vêtu trônant dans la discothèque parentale fut longtemps la meilleure porte d'entrée du monde poétique d'un artiste déjà considéré comme un vieux rabat-joie dès son arrivée fin des sixties. Une So Long Marianne épique, un Partisan vibrant, une Suzanne mythique, un Famous Blue Raincoat déchirant : TOUTES les plages de cette galette sont autant de pièces vitales pour appréhender le gentleman de la désespérance.

Avouons-le : on ne reverra plus cet âge d'or créatif à jamais disparu, mais renouer avec la langueur de sa voix d'outre-tombe s'avère un plaisir. Tout en remarquant que ce disque n'est pas tout à fait la merveille annoncée, on comprend les bons échos qui accompagnent ce douzième opus apaisé, où le dandy septuagénaire semble avoir fait la paix avec ses vieilles obsessions (les femmes, la foi, la rédemption, la mort). Sorte de revisitation-clin d'oeil de son parcours depuis la série de concerts qui l'ont vu triompher ces dernières années de la faillite financière :

Plus épuré et allégé des scories synthético-kitch de sa dernière période, Old Ideas n'atteint certes pas les grandes heures de sa période historique 1967-1974, dont l'indispensable Songs Of Love And Hate, ni même de sa renaissance années 80 I'm Your Man/The Future.

Mais en laissant plus de place à l'instrumentation acoustique, le vieux Leo s'autorise une palette musicale élargie (blues, gospel, country, piano d'église) résonnant sur des mélodies aux airs déjà classiques (Show Me The Place, Banjo, Lullaby) et s'octroie même une ballade dépouillée comme aux plus belles heures (Crazy To Love You).

Il faut cependant réussir à passer les deux premiers titres, l'album ne prenant son (lent) rythme de croisière qu'avec Show Me The Place ; le vieux séducteur n'a pas abandonné son usage de choeurs féminins kitsch sans dénicher un producteur digne de ce nom, vu certaines orchestrations minimales ; et l'ensemble témoigne plus d'une inspiration balisée que d'une vraie re-création artistique.

Mais le charisme du gentleman, la volupté de s'abandonner à sa voix profonde et sa fausse sagesse sarcastique sont des plaisirs qu'il serait dommage de snober malgré l'aspect musical désuet du projet.
À 77 ans, peu nombreux sont les artistes historiques capables de générer tel sentiment de filiation et d'affection :

Élégant, digne et déconcertant funambule renaissant toujours de ses cendres, dans mon cas toujours préféré à Dylan, Mister Cohen est de ces compagnons fidèles et pères spirituels qui accompagnent bon an mal an toute une vie.

Cet opus a surtout un avantage : revisiter les étapes de son parcours et fouiller dans les recoins de sa discographie décidément inépuisable. Pas si mal pour de "vieilles idées".

Leonard Cohen. Old Ideas (Sony Music) paru le 30 janvier
♥♥
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à lire sur bon pour les oreilles, télérama et rétrospective sur les inrocks

leonard cohen

AIR à la conquête de la lune

2012-02-06T21:26:00.018+01:00

Février n'est pas que le mois de la vague de froid et de neige que nous supportons tant bien que mal, mais c'est aussi le mois qui nous a nous réservé le retour du groupe Air.
On serait même tenté de dire un retour aux affaires, tant les derniers opus de la paire JB Dunckel-Nicolas Godin avaient été loin d'être concluants. Malgré l'indulgence qu'on peut avoir envers leur production, pour peu qu'on soit sensible à leur électro pop easy listening volontiers naïve, voilà longtemps qu'ils s'étaient installés dans un vernis pop aussi moelleux que plutôt sclérosant artistiquement (Talkie Walkie, 2004). Isolés dans leur bulle, les deux dandys versaillais alignaient des productions agréables, mais anecdotiques et manquant en fait ... d'air.

Mais rien ne vaut l'exercice obligé venant de l'extérieur, car sollicités par le passionné Serge Bromberg, déjà auteur de la résurrection de L'Enfer de Clouzot, pour rhabiller la bande-son du classique du précurseur Georges Méliès, Le Voyage dans la Lune restauré et recolorisé par Lobster Films et l'aide de la Fondation Gan pour le cinéma, ce petit voyage spatial leur refait une modeste mais salutaire santé musicale.

Confirmant leur vocation pour le rétro-futurisme, leur bande-son rétro-moderne, à l'exemple de Giorgio Moroder pour Metropolis en 1984, habille de couleurs seventies, synthés antiques et pulsations rock vintage les rêveries ludiques colorées du père historique du cinéma de l'imaginaire et des effets spéciaux :

Sans jamais trahir la fraîcheur de ses visions de 1902, leur B.O. en restitue l'aspect ludique (Sonic Armada), aérien (Moon Fever) ou carrément psychédélique (Cosmic Trip).
Mieux : si la nouvelle version du film (à voir sans tarder et disponible en DVD le 23 avril) supporte fort bien leurs inventions, Le Voyage dans la Lune L'Album s'apprécie tout autant - voire même plus - tout seul accroissant son pouvoir d'évocation et de suggestion spatiale à coups de synthétiseurs Moog, sons de mellotron et claviers analogiques. Le tout lorgnant autant du côté des ancêtres du krautrock allemand (Kraftwerk, Neu) que des b.o. du cinéma italien, aux embardées gentiment expérimentales :

On peut même trouver la durée du voyage un peu courte bien qu'allongée de quinze minutes par rapport au film. Mais voilà un disque cohérent qui ne changera certes pas leur statut mais qui confirme l'aisance du groupe dans la composition instrumentale (souvenez-vous de leur chef-d'oeuvre Virgin Suicides).

Oserait-on même dire que l'objet épaulé des chanteuses d'Au Revoir Simone et Beach House pour les passages pop démontre qu'une des faiblesses récurrentes d'Air était de s'obstiner à (mal) assurer le chant ? Allez, les petits maîtres versaillais, votre amie people Sofia Coppola avait au moins senti ça : laissez tomber la lounge music sans ressort, vous êtes fait pour habiller le cinéma de vos délicieuses volutes rétro-temporelles.

Et souriez-donc aussi sur vos photos. Ce n'est quand même pas demander la lune.

Air. Le Voyage dans la Lune - A Trip To The Moon (Aircheology/Emi Music) paru le 6 février

♥♥♥
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Quatre nuits avec ANNA TERNHEIM

2012-02-05T01:28:00.024+01:00

Nulle méprise à la lecture du titre de ce billet, nullement à prendre comme le récit d'une aventure personnelle ou invitation lancée à l'intéressée. Quoique : on ne sait jamais, si celle-ci pour laquelle j'avoue un vieux faible lit ces lignes.
Blague à part, juste une manière de faire écho au titre du nouvel opus de la suédoise The Night Visitor avec celui du film de Jerzy Skolimoswski, Quatre nuits avec Anna, qui narrait les nuits étranges d'un solitaire épiant dans son intimité la jeune femme dont il était épris.

Ce qui correspond assez bien à la situation dans laquelle l'auditeur découvre ici la craquante chanteuse, artiste discrète pourtant fort estimée en Suède depuis ses premiers albums.


Photo © Renaud Monfourny

Car si la blonde suédoise a toujours mêlé le folk dans ses compositions sensibles, ses productions précédentes affichaient une indéniable identité pop culminant en 2009 sur le très accompli Leaving On A Mayday aux arrangements somptueux signés Björn Yttling de Peter Björn And John. Mais, surprise, ce Night Visitor façonné avec de solides artisans de Nashville dont Dave Ferguson affiche une couleur country-folk d'un dépouillement classique qui sonne, sinon comme à la maison, du moins comme un opus de chambre à l'intimisme acoustique :

Une mue pas décevante du tout malgré son aspect classique car ce qu'on perd en habillage baroque, on le gagne en douceur intimiste. Une manière de se tenir au plus proche de son inspiration, ses complaintes douces-amères et surtout de sa voix claire et lumineuse.

Racé, élégant, radieux, le timbre d'Anna Ternheim en fait une des plus sensibles vocalistes et mélodistes de l'école pop scandinave, à l'instar de ses consoeurs, les indispensables Ane Brun, Emiliana Torrini ou la trop rare Stina Nordenstam.

The Night Visitor, malgré ses allures country roots dépouillées, n'a pas transformé l'envoûtante interprète de Black Sunday Afternoon en quelconque gratouilleuse redneck ou homologue suédoise d'Alelia Diane. Juste permis de rendre plus touchant, entre six-cordes et violon, son art de la demi-teinte, plus délicats ses arpèges de guitares sculptés sur sa Gibson.
Comme si la douce Anna susurrait rien que pour nous ses ballades désenchantées aux mélodies attachantes :

Un disque-cocon, cosy et accueillant, sans doute bien sage, mais idéal en cette période pour nous consoler de la morsure agressive d'un hiver carrément sibérien. De quoi attendre au chaud le printemps en une si douce compagnie musicale que l'on se félicite d'avoir rencontré un jour.
Thank you, dear Anna. (Et l'invitation tient toujours).

Anna Ternheim. The Night Visitor (Universal Music) paru le 30 janvier

♥♥♥♥
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à lire sur les chroniques de Charlu, le photoblog de renaud monfourny et télérama

Black Sunday Afternoon, version live :

anna ternheim

L'étrange weekend de PORCELAIN RAFT

2012-02-02T23:58:00.023+01:00

Un peu tôt pour entamer le weekend, mais difficile de résister à la perspective quand elle prend les atours séduisants de la musique de Porcelain Raft. Qu'est-ce donc que Porcelain Raft ? Le projet derrière lequel se cache le "one man band" Mauro Remiddi. Encore un italien - décidément ! - mais cette fois en solo et qui a élaboré aux États-Unis cet album typique de la tendance dominante.

À savoir : un individu isolé, des complaintes intimes et de l'électro pop vaguement chillwave se parfumant au revival shoegaze.
"Pouce! Assez!" est-on tenté de crier tant le marché devient saturé de cette tendance omniprésente (Twin Shadow, Blood Orange, Neon Indian and co).

Sauf que, c'est visible dans ces pages, elle continue à m'attirer. Et même si la formule en a déjà lassé certains, il est difficile de balayer d'un revers de main ce disque qui ne semble pas payer de mine à la première écoute, mais impose son évidence.
Tout simplement car l'italien, déjà auteur du mémorable Dragonfly, sait écrire d'excellentes chansons et développer une belle atmosphère :

Atmosphère qui n'a rien de neuf c'est vrai, tant sa musique semble brasser les figures imposées du genre (dream rock brumeux, drums machines, réverbération) qui, de Lush à Slowdive, ont posé les bases du shoegazing. Mais l'ensemble au son parfait, presque trop maîtrisé, s'avère d'une fluidité évidente. D'une qualité d'écriture et vraie inspiration mélodique (les irrésistibles deux morceaux d'entrée) pour que ce "radeau de porcelaine" dépasse l'exercice de recyclage.

Deux, trois références démontrent le niveau d'exigence atteint par ce globe-trotter de chambre : les échos de guitare réverbérées striant tout l'album évoquent le lyrisme mal léché des grands Jesus And Mary Chain et son électro intimiste voisine avec la désolation solitaire d'Atlas Sound ou les complaintes récentes d'un Youth Lagoon :

On pourrait jouer longtemps à un stérile jeu des ressemblances (Electronic, Suede, The Big Punk). Mais on préférera se réjouir des vrais progrès vocaux de Remmidi, hier un peu trop proche du maniérisme d'un Brian Molko. Et on succombera au charme d'un album dont le but n'est pas le moins du monde révolutionnaire. Juste de proposer, entre intimisme et fougue tranquille, passé et présent, sa petite musique séduisante et sa marque élégante.
Modeste mais très réussi programme de fin de semaine.

Porcelain Raft. Strange Weekend (Secretly Canadian) paru le 24 janvier

♥♥♥♥

spotify et deezer

porcelain raft

secretly canadian

Bonus, la vidéo de Dragonfly (Gone Blind EP, 2010) :

La psyché pop de DUMBO GETS MAD

2012-02-01T22:15:00.017+01:00

Décidément, Disney s'incruste ici : après le dragon Elliott, voici le tour de Dumbo. Et tant pis pour lui selon le nom de ce groupe qu'il devienne fou et tant mieux pour nous ! Car s'il a fallu près d'un an pour que cet album nous parvienne, une fois entrée dans vos oreilles la musique colorée et kaléidoscopique de Dumbo Gets Mad vous redonnera toutes les couleurs dont cet hiver frisquet nous prive ces temps-ci.

Néo-vintage, langoureux et planant à souhait, l'album de ce groupe italien distribué sur le netlabel Bad Panda voit des éléphants (roses) partout et diffuse un entêtant parfum de néo-psychédélisme droit sorti des sixties revu et corrigé par l'indie style. Très dans l'air du temps mais d'une grande générosité, Elephants At The Door est une mini-odyssée sonore propice à larguer les amarres loin du sol :

Comme un mix séduisant entre les délires space pop de MGMT, Tame Impala, Flying Lotus ou des attachants Peaking Lights, la musique rétro-futuriste de ce jeune duo italien dont je n'ai bizarrement pas trouvé trace des noms regorge de vocaux éthérés déformés (marrant Sleeping Over), rythmiques aquatiques, sons d'orgue garantis d'époque (Hammond? Wurlitzer? Farfisa?) et climats planants typiques de bandes-son seventies aux accents easy listening de l'ère disco.

Un vigoureux trip spatio-temporel auquel il faut s'abandonner sans résister pour en savourer l'essence malgré les légères baisses d'intensité à mi-parcours du disque. Un album-bulle, chaud petit refuge et ascenseur coloré dans lequel il fait bon de monter afin d'échapper, le temps de son ascension, à la grisaille tristoune qui fait en ce moment notre quotidien hivernal.

Un remède d'éléphant à utiliser sans modération en médication quotidienne.

Dumbo Gets Mad. Elephants At The Door (Bad Panda Records) paru en 2011
♥♥♥ (♥)
bandcamp et grooveshark
à lire sur des chips et du rosé, @diffuser.net et ma mère était hipster

mypace
bad panda records

Le coeur de EWERT AND THE TWO DRAGONS

2012-01-31T21:50:00.024+01:00

Dans un vieux Disney de la fin des années 70 du même titre, Peter sympathisait avec le dragon Elliott, montagne d'amitié et d'affection.
Dans le nom choisi par ce nouveau groupe qui illumine cette rentrée pop autrement bien morne, c'est bien à deux dragons que l'on a affaire, raison sans doute de la vitalité et de l'énergie de ce disque surprise qui réchauffe le coeur de l'hiver. On serait tenté de dire "sorti de nulle part" mais ce serait faire injure à l'Europe, car c'est à l'Estonie qu'on doit cette potion folk pop ragaillardissante.

Comme jd Beauvallet des Inrocks l'a justement fait remarquer, on en vient à penser que nos cousins estoniens respectent bien plus la pop que la plupart de leurs homologues anglo-saxons, enfants gâtés qui la maltraitent. Et l'on se réjouit du bain de jouvence dans laquelle ce quatuor radieux l'immerge pour son plus grand bien.

Fraîche, pure et lumineuse, la musique d'Ewert And The Two Dragons, toujours très inspirée mélodiquement et sertie dans un bel ensemble d'arrangements élégants, démontre que l'immédiateté de la formule folk pop, pour classique qu'elle puisse paraître, peut mener un groupe sur les plus hautes cimes :

Si l'on se prend à vouloir accompagner leurs choeurs extatiques, taper du pied ou frapper dans les mains sur leurs pop songs joviales (In The End There's Only Love, Road To The Hill) les estoniens développent une fraternelle humanité sur de très attachantes pièces folk pop où la gravité affleure (Sailor Man, Panda, bijou de l'album) et la grâce se pare de mélancolie profonde (Falling, digne des meilleures formations slowcore, Red House Painters en tête). Et font preuve tout du long d'une musicalité de haut vol jamais prise en défaut portée par la voix profonde de leur leader :

Rigoureuse et enthousiasmante pièce de collection à inscrire auprès des récentes réussites de The Family of The Year ou The Leisure Society, cet album révèle un génie de la composition pop en dentelles qui rappelle l'art des orfèvres XTC, un Rabitt d'exception rappelant les grandes heures bucoliques des anglais, période Mummer.

Nouvelle trouvaille de l'impeccable label bordelais Talitres, ce Good Man Down s'impose déjà comme un opus immanquable démontrant les vertus du classicisme tant qu'y brille une vraie flamme et inspiration et promet une belle route à nos Ewert and The Two Dragons adoptés ici sans retenue. And In The End There's Only Love ...

Ewert And The Two Dragons. "Good Man Down" (Talitres Records) le 30 janvier
COUP DE COEUR ♥♥♥♥♥
spotify, deezer et groveshark
à lire sur la quenelle culturelle, muffin man et hop blog

myspace
talitres

DJANGO DJANGO est là (et moi, aussi, un peu)

2012-01-30T23:59:00.029+01:00

Sans statuer sur le destin définitif encore incertain de cet espace, réactivation du blog à la faveur d'un peu de temps que cette semaine semble m'accorder et surtout grâce à une actualité musicale plus fournie et vraiment plus emballante. Une remise en route temporaire avant une mise en chantier plus générale ou sort plus définitif, à voir. Sinon, les habitués de facebook savent qu'on peut m'y retrouver ici régulièrement depuis que j'ai découvert les joies de l'objet.

À tout seigneur tout honneur, ce lundi 30 voit la sortie effective de celui qu'on attendait mais qu'on n'espérait plus depuis trois ans : l'album de DJANGO DJANGO est enfin sorti aujourd'hui ! NON ? SI !En effet, ce qui a longtemps failli être l'arlésienne du rock indé a ENFIN vu le jour, une galette toute fraîche et pimpante de treize titres parue chez Because Music, où ceux qui avaient craqué (dont votre serviteur) sur la pop azimutée et minutieuse aperçue sur leur singles Love's Dart et Wor il y a deux ans, retrouveront l'univers accueillant de ces remuants zigotos.

Lesquels ont pris le temps de digérer retards à l'allumage et accidents de parcours tout en satisfaisant leurs penchants de musiciens perfectionnistes. La musique de l'excentrique combo écossais, c'est en fait un évident mélange de folie douce dans l'inspiration et de maîtrise sonore et esthétique rempli de bombinettes pop irrésistibles déjà connues comme Waveforms ou Storm.

Entre surf rock sixties à la Shadows, post pop barrée à la Devo et électro rétro-futuriste tendance, les Django Django renouent avec l'esprit de quarante ans d'excentricité et de folie underground en touillant néo-psychédélisme, dance music mutante et mini laboratoire indie pop. Le tout en un mix de séduction, de minutie sonore et de grâce désinvolte qui forme un ensemble très ludique :

Le plus du groupe, c'est leur identité vocale peaufinée par le leader Vincent Neff incarnée dans leurs choeurs parfaits, radieux et entêtants, rencontre improbable de l'angélisme des Beach Boys et des fantaisies sonores des trop sous-estimés Beta Band dont ils semblent perpétuer avec discrétion mais vaillance l'esprit d'indépendance :

Joyeux, bigarré, réjouissant et rempli de gimmicks sonores loufoques ou d'instrumentaux barrés dignes des géniaux B-52's (l'orientalisant Skies Over Cairo), Django Django L'Album nous rassure sur la capacité du quatuor à varier les styles et les références, de l'acoustique folk cosy à l'électro dingo.

Une bouffée d'air frais hautement recommandable qu'un peu moins d'obsession clinique de la maîtrise et une pincée de spontanéité auraient rendues encore plus incontournable.

Des reproches de chipoteur, car gouleyante et rafraîchissante, cette sympathique cuvée Django Djangoienne, sans être toutefois le Graal indie pop espéré par certains, s'annonce déjà sous sa pochette exotico-surréaliste comme un des très bons crus revitalisants de ce début d'année. Allez à bientôt, j'espère.

Django Django. "Django Django" (Because Music) le 30 janvier
♥♥♥♥
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autres avis sur la musique à papa, electrophone et les inrocks

Le groupe sera en concert le 14 à La Boule Noire, autres dates de la tournée sur leur site.

django django
because music

BLOG EN PAUSE HIVERNALE (encore)

2012-01-17T21:00:00.008+01:00

Ça ne vous aura pas échappé : en ce morne mois de janvier pas inspirant, encore une pause à rallonge sur ce blog décidément abonné à cet exercice bien trop fréquemment.

Mais qui permettra enfin de décider à la fin de cette halte de l'avenir des Chroniques. Le problème se posant de manière bien trop régulière que pour ne pas poser cette question : ce blog a-t-il encore un avenir ?
Ou dois-je songer à un destin plus funeste et définitif, toutes choses ayant - vous le savez bien - une fin ?

See You Soon

HAPPY BIRTHDAY ZIGGY

2012-01-08T23:58:00.043+01:00

Rapide billet surprise nourri par une vieille fixette perso, mais justifiée cette fois par la stricte actualité de ce dimanche.
En effet, un 8 janvier de l'immédiate après-guerre naissait au sud de Londres un certain David Robert Jones que l'histoire retiendra dès le début de la décennie 70 sous le nom de David Bowie.

Même si on peut regretter sa retraite artistique qui semble partie pour être vraiment définitive, malgré tout, vu l'ampleur du chemin parcouru, merci pour tout Mr Bowie et Happy Birthday, Ziggy! :

davidbowie-news sur facebook

2012 HAS COME

2012-01-01T00:00:00.007+01:00

Alors que le blog s'apprête à vivre quelques jours en parenthèse, je souhaite à tous, proches, amis blogueurs, lecteurs réguliers ou occasionnels et internautes égarés ici :

Happy New Year

MON TOP CINÉMA 2011

2011-12-30T23:58:00.029+01:00

Autant la richesse de l'actualité musicale a pu donner matière à un Top 50, autant l'année cinéma m'a paru rare en vrais sommets et ne donnera lieu qu'à un petit Top 10 (chroniques d'origine à lire en cliquant sur les titres).

Car, entre rendez-vous décevants (Almodovar, Darren Aronofsky, Christophe Honoré, Bertrand Bonello) et films malheureusement pas vus (Shame, L'Exercice de L'Etat, Incendies, Il Était une fois en Anatolie, Drive, les derniers Scorsese ou Cronenberg), le choix s'est concentré du coup sur un petit nombre de films.
En forme de mince lot de consolation malgré 2 ex aequo, un choix d'oeuvres intéressantes, mais modestes et mineures dans la carrière de leurs auteurs.
Exception faite du quatuor de tête et surtout de son numéro 1, que je considère comme un des plus beaux films de son auteur et de ces dernières décennies, déjà un classique du septième art.

1. The Tree Of Life de Terrence Malick

À peine vu en mai dernier, je savais déjà que ce film finirait tout en haut de mon palmarès. Palme d'or de Cannes 2011, autant salué que pourfendu par la critique, le dernier film du plus secret des cinéastes est de loin mon film préféré de l'année et d'ores et déjà film de chevet.
Tellement la beauté de ce film-poème, à la fois épopée cosmogonique et chronique lumineuse sur le deuil, retrouve le chemin des origines et la vocation première du cinéma : l’émerveillement.

Aboutissement du cinéma panthéiste et spirituel de Terrence Malick, ode à la nature et voyage au pays de l’enfance touché par la grâce, The Tree Of Life est un film épique parfois inégal, mais souvent bouleversant, d'un total accomplissement cinématographique. Et d’une liberté absolue qui redonne foi dans le pouvoir d’un cinéma ample et visionnaire :

2. Melancholia de Lars von Trier

Aurais-je jamais prédit qu'un film du cinéaste du Dogme soit un jour dans un quelconque classement personnel ?
Si Lars von Trier ne cède en rien sur le pessimisme foncier, voire la misanthropie qui irrigue son oeuvre, sa fable métaphysique cachée derrière son argument de film catastrophe est un grand moment de cinéma placé sous le soleil noir du romantisme et de la tragédie. D'une beauté plastique rare, on n'oublie pas la tension et la lumineuse noirceur de Melancholia, opéra crépusculaire aux frontières de l'art pompier, mais oeuvre la plus personnelle de l'imprévisible danois.

3. Une Séparation de Asghar Farhadi

Un des films les plus récompensés de l'année, Une Séparation mérite bien tous les lauriers qu'il a reçus.
Vision à la fois collective et privée de la société iranienne sublimée par un scénario, récit et réalisation d'une grande intelligence, le film de Asghar Farhadi réconcilie regard pertinent d'un pays en ébullition et analyse au scalpel des tourments intimes et familiaux sans jamais faiblir en intensité et en suspense. Un tour de force qui mérite tous ces honneurs, le beau succès récolté et un vrai coup de chapeau.

4. Les Géants de Bouli Lanners

Bouli Lanners est belge. Bouli Lanners aime le grotesque et l'absurde de l'existence. Bouli Lanners capte comme personne la vitalité d'un trio d'enfants livrés à la cruauté des adultes.
Bouli Lanners conjugue élan de la jeunesse et noirceur de sa fable d'apprentissage en conteur consommé. Bouli Lanners filme ses paysages du Nord et ses petits poucets perdus avec la grâce d'un paysagiste américain. Bouli Lanners a bien du talent dans Les Géants. J'aime beaucoup Bouli Lanners.

5. Restless de Gus Van Sant

Sans doute le film le plus mineur de l'oeuvre de Gus Van Sant, ce Restless à la douceur de rêve éveillé a pourtant le charme persistant d'une douce aquarelle. Un Harold & Maude post-adolescent, refuge tendre contre la mort qui guette, où l'auteur d'Elephant conjugue jeux de l'enfance et pudeur digne face à l'inéluctable.
Élégante presque jusqu'au maniérisme, sa fugue élégiaque et irréaliste distille une belle luminosité jusque dans sa profonde mélancolie. À l'image de la vie.

6. La Guerre Est Déclarée de Valérie Donzelli

Si La Guerre Est Déclarée, récit du réel combat de Valérie Donzelli et Jérémie Elkaïm contre la maladie de leur enfant touche vraiment, ce n'est pas uniquement pour le message positiviste véhiculé par le film, n'en déplaise à ses détracteurs. Mais pour la justesse de son approche entre légèreté et gravité, énergie de combattants et mélancolie de ceux qui ont connu le pire. Un film de survivants, vivant, vibrant, souvent touchant.

7. Pater d'Alain Cavalier

Sous prétexte de filmer les coulisses d'une campagne politique imaginaire, Alain Cavalier retrouve l'innocence et la liberté de l'enfance et s'amuse de la prétention du monde du cinéma. Autant objet filmique inclassable et mise en abyme malicieuse, Pater est surtout le film en mouvement permanent de la rencontre touchante d'un cinéaste imprévisible avec son fils rêvé de cinéma, Vincent Lindon.

8. Ha Ha Ha de Hong Sang-soo

Burlesque, tragi-comique et doux-amer, Ha Ha Ha est un régal du cinéma en liberté et arrosé de débordements (sentimentaux ou alcooliques) de Hong Sang-soo, cinéaste coréen décidément revigorant. Malicieux jeux de l'amour et du hasard conquis au final par l'éternel féminin face à des hommes vélléitaires et indécis. Mr Hong est un sage qui a tout compris.

9 ex aequo. Rabbit Hole de John Cameron Mitchell

Film lumineux sur le deuil, Rabitt Hole évite tous les pièges mélodramatiques qu'une oeuvre sur la perte d'un enfant guettait. Misant sur l'épure et le non-dit, John Cameron Mitchell sonde avec acuité un couple aux abois dans ce drame classique à la photogénie de grande classe, servi par une Nicole Kidman au talent retrouvé.

9 ex aequo. Habemus Papam de Nanni Moretti

Alors qu'on s'attendait à une charge antireligieuse de la rencontre entre Nanni Moretti et l'église catholique, Habemus Papam est une fable cocasse et burlesque plus tendre que vacharde. Derrière l'aspect mineur de la fugue inattendue du pape Michel Piccoli (génial comme souvent), une réflexion douce-amère assez désenchantée sur la vanité de tout pouvoir.

10. Ceci N'Est Pas Un Film de Jafar Panahi

Que fait un cinéaste face à un régime dictatorial qui l'empêche de filmer ? Filmer quand même : filmer son impuissance et son isolement. Filmer pour témoigner. Filmer pour rester digne. Autant acte de résistance que prototype de cinéma malgré tout, Ceci n'est pas un film de l'iranien Jafar Panahi transforme ses manques en atouts et rappelle que l'acte de filmer est surtout un acte de vie.

J'espère, dans mon cas, que l'année 2012 sera plus propice en plaisirs de cinéma en salles obscures. See you very soon!

LE CINÉ DE CORÉE. Oki's Movie et Ha Ha Ha de Hong Sang-soo

2011-12-29T23:50:00.014+01:00

Avant de terminer sur le traditionnel Top cinéma qui va clore 2011, un petit billet à l'occasion de la sortie récente d'Oki's Movie, sur un cinéaste dont on a pu voir deux films cette année, le coréen Hong Sang-soo.

Un peu vite catalogué "Rohmer coréen" par une critique assez paresseuse, le cinéma en liberté de Mr Hong brode en expert d'éternelles et réjouissantes variations autour de trois éléments : le cinéma, l'alcool et les relations amoureuses. Mais chez cet hyper-sensible, les deux premiers ne sont que là pour exalter ou se remettre des dernières.

Les étudiants en cinéma, critiques ou professeurs qui peuplent ses films ont beau faire étalage de leur savoir cinématographique ou s'affronter verbalement lors de dîners copieusement arrosés d'alcool de riz (soju), la recherche de l'amour guide le moindre de leurs gestes : les indécisions de l'amour, l'amour imprévu, l'amour sublimé, l'amour perdu.

Derrière la peinture caustique du petit milieu du cinéma d'auteur et universitaire, ces éternels étudiants, réalisateurs égotistes ou professeurs enseignant un art bien fragile, sont autant de séducteurs anti-héros et immatures sentimentaux.

Marivaudages et méprises en série sont autant les ressorts drolatiques de ces chroniques malicieuses et arrosées que témoignant de la confusion profonde et sentiment d'inéquation au réel qui caractérise ses maladroits protagonistes qui nous ressemblent en fait pas mal.
Hong Sang-soo a, de plus, le grand mérite de faire preuve d'une belle ambition narrative, tressant les fils de plusieurs récits et bousculant la temporalité. Une malicieuse virtuosité de raconteur d'histoires qui nourrit ces deux films de couleurs différentes.

Ainsi, Ha Ha Ha qui raconte le séjour de deux trentenaires dans la même ville au même moment et amoureux des mêmes femmes, est-il un sommet de burlesque sentimentalo-cruel qui voit nos deux compères, souvent versatiles ou goujats, perdre des plumes au combat amoureux, les femmes plus idéalistes ou plus intègres bénéficiant du regard conquis d'un cinéaste admiratif de l'éternel féminin. Un petit bijou tragi-comique, stimulant et revigorant.

"Ha Ha Ha" (Corée du Sud, 2010) Sorti le 13 mars 2011. Durée : 114 mn. ♥♥♥♥
Réalisation et scénario : Hong Sang-soo.
Avec : Kim Sang-Kyung, Moon So-ri, Jun Sang-yu.
à lire sur benzine

Sorte de pendant d'hiver à ce film estival, le récent Oki's Movie, moins ouvertement cruel, a une tonalité plus tendre et est composé de 4 courts films : quatre variations sur une même histoire, mettant en scène les mêmes personnages (joués par les mêmes acteurs) et leurs hésitations amoureuses.
Film conçu dans la foulée de l'inspiration et à la structure à sketchs improvisée durant le tournage, ce film d'hiver (la neige et le froid y jouent un grand rôle) suit les pérégrinations de deux étudiants (fille et garçon) en cinéma et leur professeur.

Amoureux tous deux de la jeune femme, les deux hommes ont beau s'opposer sur des questions éthiques et esthétiques à des époques différentes, le coeur de leur rivalité/admiration, c'est leur relation changeante et mutuelle avec la belle Oki. Laquelle expose dans le "dernier-film-dans-le-film", le plus beau, sa relation à un an d'intervalle avec chacun d'entre eux.

Malgré l'aspect exercice de style-expérimental du film, une douce émotion, voire tristesse, naît de cette évocation désabusée d'un amour de jeunesse inabouti.
Et de ces artistes en devenir conscients des limites de leur art et doutant de l'intérêt de pratiquer un cinéma d'auteur confidentiel à l'avenir plus qu'incertain.

Pétri de doutes et d'incertitudes dans son propos, avec ce joli doublé filmique, Hong Sang-soo, paradoxalement, témoigne d'une belle santé, capable de perpétuer ses éternelles préoccupations de cinéaste tout en les renouvelant d'une nouvelle approche créative.
Raison de plus pour fréquenter sans réserve son cinéma accueillant et attachant :

"Oki's Movie" (Corée du Sud, 2010) Sorti le 7 décembre 2011
♥♥♥

Réalisation et scénario : Hong Sang-soo. Chef-Opérateur : Park Hongyeol. Lumière : Yi Yuiheang. Montage : Hahm Sungwon. Musique : We Zongyun. Production : Jeonwonsa Film Co. Distribution France : Les Acacias. Durée : 80 mn.

Avec : Lee Sun-kyun (Jingju) ; Yu-mi Jeong (Oki) ; Sung-Keun Moon (Professeur Song).
à lire sur benzine

HUNKY DORY for Christmas

2011-12-25T14:00:00.034+01:00

À l'heure où chacun a ouvert ses cadeaux, je dépose au pied du sapin un cadeau vieux de quarante ans et que tout le monde connaît déjà ! Mais qui n'a pas pris une seule ride : toujours aussi irréel qu'il le fut à l'époque.

Le 17 décembre dernier, on a fêté l'anniversaire de la sortie quatre décennies plus tôt d'un album qui est à mes yeux le plus beau de l'histoire de la pop : Hunky Dory.
"Un disque si beau que le simple fait de le posséder, sans même l'écouter, suffit au bonheur" selon la formule du son fan n°1 Jérôme Soligny, qui a bien vu juste. Un album découvert de mon côté une douzaine d'années plus tard et qui fut une vraie révélation.

1971. Voici trois ans qu'un jeune auteur-compositeur attend son heure, espérant confirmer pour de bon les espoirs entrevus lors du succès de Space Oddity. Et qui ne peut se résoudre à être l'homme d'un seul titre, vu l'ampleur de son ambition. Si la consécration mondiale viendra plus tard avec son album suivant et le raz-de-marée Ziggy, en 1971 David Bowie est encore dans l'antichambre de l'histoire du rock.

Réunissant les musiciens qui seront ses futurs Spiders From Mars (Mick Ronson, Woody Woodmansey, Trevor Bolder et ici le pianiste Rick Wakeman), Hunky Dory est le disque d'un talent incroyable, superstar en devenir et song writer touché par la grâce.

Mélange d'ambition et de candeur, d'arrogance et d'ingénuité, où le jeune Bowie peaufine son jeu avec l'androgynie, Hunky Dory est le plus délicat des albums de Bowie et celui où éclate son génie de mélodiste.
Remplis de futurs classiques de son répertoire - dont au moins huit chefs-d'oeuvre - l'atmosphère unique de cet album aux couleurs d'aquarelle, entre glam pop et folk mélancolique saisit la mutation d'une époque : adieu les années 60 hippies, bientôt l'ère de l'excentricité et la flamboyance, mais marquée d'un esthétisme constant et d'hommage à l'esprit music-hall et cabaret.

Si les singles Changes et Oh! You Pretty Things, futurs classiques inusables, auraient suffi pour que cet album reste dans les annales, que dire alors du sommet Life On Mars? certainement la plus incroyable des mélodies chantée alors par l'homme aux yeux vairon. Mélodie tombée du ciel, arrangements magnifiques (ces cordes, ce piano!) d'une classe rare et sa voix aigüe inouïe aux accents juvéniles dramatiques :

Si Hunky Dory émeut toujours sans faillir, en-dehors de son extraordinaire musicalité élaborée par Ken Scott et Bowie lui-même, c'est qu'on y sent la future superstar à venir, celle qui jouera en maître de son ambiguïté et de son charisme monstrueux.

Et qu'on y voit surtout un artiste dire discrètement au revoir à ses années de formation, évoquer tendrement sa vie familiale et son fils (Kooks), saluer par-delà l'océan ses héros américains (Andy Warhol, Lou Reed, Bob Dylan) et avouer de front ses doutes et désillusions (Don't believe in yourself, don't decieve with belief, knowledge come with death's release - Ne croyez pas en vous-même, ne vous trompez pas à cause de vos convictions, la connaissance vient avec l'arrivée de la mort) sur la magique Quicksand :

Album où le futur alien du rock montre encore un visage humain, une vulnérabilité mêlée à la flamboyance qui le caractérise, Hunky Dory, écrin musical à l'étrange intemporalité, tellement de son époque mais toujours si pertinent, est le disque préféré des amateurs de Bowie.
Celui qu'admire depuis quarante ans une nuée d'auteurs-compositeurs admiratifs ou jaloux des hauteurs atteinte par le Thin White Duke, même Bono de U2, et combien on le comprend.

Aujourd'hui comme hier, Hunky Dory et son mélange unique d'exaltation et de mélancolie profonde qui caractérise la jeunesse touche, émerveille, enivre, fascine durablement.

La porte d'entrée la plus attachante de l'oeuvre-monstre de Bowie, qui se clôt sur un titre-phare, The Bewlay Brothers. Morceau métaphorique et troublant, illustration de la lutte du futur Ziggy mais ici encore David Jones, contre sa peur de la folie, celle là-même qui rongeait son demi-frère schizophrène Terry.

Chanson-clé d'un homme qui s'est servi de son art pour mieux affronter ses angoisses et a nourri avec génie le rock de ses démons et merveilles :

Quarante ans et pas une ride : Happy Birthday, Hunky Dory et joyeux Noël à vous tous!

Tracklist :
1. Changes
2. Oh! You Pretty Things
3. Earth Line Poem
4. Life On Mars?
5. Kooks
6. Quicksand
7. Fill Your Heart
8. Andy Warhol
9. Song For Bob Dylan
10. Queen Bitch
11. The Bewlay Brothers

David Bowie - "Hunky Dory" (RCA/EMI) 1971
CHEF-D'OEUVRE ♥♥♥♥♥

david bowie.com
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MERRY (POP) CHRISTMAS

2011-12-24T12:30:00.013+01:00

Noyël, Noyël ! Malgré l'aspect plus qu'attendu, voire redouté par beaucoup, vous n'échapperez pas aux habituelles chansons de Noël avec carillons, traîneau et neige poudreuse.
Mais, afin de vaquer à la préparation de votre soirée du 24 sans craindre l'écoeurement avant même d'avoir commencé votre réveillon, on sacrifiera à ce rituel en compagnie de figures connues et estimées.

Dans le registre des traditions, on peut fréquenter sans risque le duo She and Him qui s'est prêté à l'exercice. Douze chants de saison aux refrains carillonnants repris avec élégance et style par M.Ward et la jolie Zooey Deschanel.

Ça s'écoute et se déguste tout seul, intemporel et plaisant. Je dirais même qu'avec sa classe sixties, cet interlude me paraît plus convaincant que les albums "sérieux" du duo.
Sans aucune surprise, c'est vrai, mais charmant :

Et pour un 24 décembre moins conventionnel, on peut toujours se tourner vers l'ostrogoth Gruff Rhys qui nous gratifie d'un très court mais réjouissant EP, Atheist Xmas.
En bon anglais, il prend le contrepied des bons sentiments avec trois vignettes pop à la couleur seventies bien glam sur lesquelles il raconte des gentilles petites horreurs : Noël délaissé d'un couple âgé, réveillon de réfugiés après la fin du monde, blues de célibataires solitaires.

Youpi, c'est la fête, quoi... Soigneusement décalé et savoureux, ce mauvais esprit. Merci bien, monsieur Gruff !

Me reste donc plus qu'à vous souhaiter à mon tour sans détour un très bon "vous-savez-quoi". C'est simple, il suffit de lire, c'est marqué plus bas.

Juste ici :

... À TOUS !

MON TOP ALBUMS 2011, FIN (5/5)

2011-12-23T21:20:00.023+01:00

Conclusion logique d'une année où cet album de Son Lux fut longtemps mon disque de chevet, le voici donc en toute logique arrivé en tête de mon bilan personnel. Un disque somptueux, album-univers qui témoigne de la démarche d'un créateur singulier et de sa vision bien personnelle.
Ensuite, qu'on la partage ou non, vous en déciderez mais ce modeste bilan est un témoin fidèle des disques qui sont le plus souvent revenus cette année. À vous de dire, maintenant :

1. Son Lux - We Are Rising (Anticon)

Disque baroque et magistral, album extra-terrestre, la pop tombée du ciel de Son Lux est un laboratoire sonore à ciel ouvert, tanguant d'électro brûlée en abstract hip hop, résonnant d'échos de musique contemporaine et de pop nocturne.
Entouré de l'ensemble YMusic, Ryan Lott y accomplit sa recherche du son parfait, célébrant les noces de la pop crépusculaire et du lyrisme orchestral. Mariage de mélancolie glacée et de flamboyance intérieure, un diamant noir qui n'a pas fini de faire miroiter ses multiples facettes.

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2. Youth Lagoon - The Year Of Hibernation (Fat Possum Records)

L'inconnu de dernière minute arrivé tout en haut. Avec son recueil de chansons de poche à l'étrange tremblement shoegaze et échos dream pop, le jeune Trevor Powers dit Youth Lagoon, a composé un album immédiatement adopté ici dès qu'il fut écouté.
The Year Of Hibernation, touchant journal de bord d'un ermite post-ado égrenant de sa voix réverbérée parmi les plus belles mélodies entendues récemment, est comme une navette spatiale d'indie pop irradiant la terre de ses bonnes vibrations. Une fois interceptées, elles ne vous quitteront plus.

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3. The Phoenix Foundation - Buffalo (Memphis Industries)
Inconnus ou presque chez nous, les néo-zélandais de The Phoenix Foundation ont pourtant signé le cocktail pop le plus stimulant de 2011. Buffalo est un euphorisant de chaque instant, au psychédélisme radieux et à l'électro partageuse.
Maîtres d'une pop au zénith, la bande de Samuel Flynn Scott aligne perles mélodiques et spatiale fluidité, réconcilie rock ombrageux à la House Of Love et délires psyché à la MGMT. Et donnent envie de dire tout le monde qu'il faut répéter leur nom partout : il s'appellent The Phoenix Foundation.

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4. Fleet Foxes - Helplessness Blues (Sub Pop/Bella Union)

Paradoxe : alors que ce deuxième disque des Fleet Foxes était si attendu qu'il a semblé en décevoir beaucoup, j'ai mille fois préféré cet opus épanoui, inspiré et épique à leur essai inaugural encore scolaire.
Une vraie tocade pour le folk en liberté, simple et authentique de la bande de Robin Pecknold, enluminé par leurs choeurs chaleureux et une production plus mâture. Hommage au folk classique des années 70 et sa relecture accomplie, émaillée de pièces plus aventureuses, Helplessness Blues touche par sa fraternelle authenticité.

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5. My Brightest Diamond - All Things Will Unwind (Asthmatic Kitty)

Une des merveilles de 2011. Jeune américaine à l'exigeant parcours, Shara Worden de My Brightest Diamond vient de sortir le meilleur album de sa jeune carrière.
Disque de lumière et de partage, All Things Will Unwind est un radieux mélange de folk orchestral et d'indie pop en liberté. Un écrin serti par l'ensemble néo-classique de YMusic où la voix lyrique et gracile de la jeune femme, récemment devenue mère, fait des prouesses célébrant sa joie sur des mélodies émerveillées. Aérien et irréel.

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6. Cass McCombs - Wit's End (Domino Records)

Song writer imprévisible, Cass McCombs n'en fait qu'à sa tête et c'est tant mieux. L'insaisissable américain a été l'auteur cette année de deux disques, deux facettes de son singulier talent rétif aux étiquettes.
Folk singer, rockeur intimiste, crooner atypique : à vous de choisir. Le scintillant Wit's End est ainsi un des sommets de son parcours, recueil de bijoux à la grâce intemporelle, quasi élisabéthaine. Mélange de sérénité et étrangeté, ce disque troublant est la porte d'entrée de son univers, à compléter avec Humor Risk, disque suivant plus éclectique (à écouter ici).

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7. Piers Faccini - My Wilderness (Tôt ou Tard/EMI)

Du bonheur du métissage. En frottant son folk intimiste et feutré avec la musique africaine ou celle des Balkans, l'anglo-italien Piers Faccini vient de signer son disque le plus accompli.
Folk blanc mêlant Nick Drake à l'afro blues d'Ali Farka Touré, un voyage lumineux et magistral, alternant perles introspectives et afro pop plus rythmique au parfum d'Orient. Enluminé par des arrangements d'orfèvre, servi par des instrumentistes au diapason et une voix d'exception, My Wilderness est la meilleure carte de visite du gentleman chanteur.

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8 ex aequo. Destroyer - Kaputt (Merge Records)

Un des vainqueurs inattendus de cette année. Dan Bejar, l'outsider underground à la tête de son Destroyer longtemps obscur, navigue en père peinard sur une singulière mer soft rock et smooth pop 80's revisitée.
De l'art de distiller sa dérision désabusée sous un vernis rétro-kitsch de claviers et saxos, aussi séduisant qu'ambigu. Entreprise intrigante pour un Kaputt savoureux. De quoi donner envie de replonger sans honte dans la pop clinquante et confortable des années pop FM avec un regard décalé.

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8 ex aequo. Bon Iver - Bon Iver (4AD/Jagjaguwar)

Ça, on peut dire que Bon Iver a fait réagir son monde cette année avec ce deuxième album qui a tant fait couler d'encre. En délaissant le folk acoustique pour le brancher sur l'électrique et le transformer en laboratoire sonore, Justin Vernon s'est attiré autant de louanges admiratives qu'un rejet franc et massif.
À défaut de faire l'unanimité, cet habillage contesté, entre prog pop et folk auto-tuné, fascine surtout et renforce un impeccable song writing à la hausse. Même l'éventuelle dérive kitsch qui pointe n'arrive pas à effacer le caractère mystérieux de cet opus assez singulier.

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9. Kate Bush - 50 Words For Snow (Noble & Brite/EMI)

Le retour (surprise) gagnant de l'année. Icône incontestable de la pop, la fée Kate Bush ressort de sa tanière pour un songe immaculé, rêverie en suspension sur la neige et l'hiver.Sept longues plages peuplées de temps et de silence, conte hivernal où la mythique anglaise, sans laquelle la pop féminine ne serait pas la même, renoue avec sa magie passée : feutré et onirique, 50 Words For Snow marie classicisme et liberté artistique avec le plaisir de renouer avec le vertige de sa voix au magnétisme toujours troublant. Kate Will Be Magic Again.

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10. Metronomy - The English Riviera (Because Music)

Autre paradoxe : si The English Riviera n'est sans doute pas encore le grand disque qu'on attend de Metronomy, difficile de résister au pouvoir d'attraction de cet élixir délicieux.
En arrondissant les angles de leur électro déchaînée, en lui injectant une dose d'hymnes pop catchy, le gang de Joseph Mount a signé une galette au son néo eighties assez irrésistible. Un opus promis à devenir classique, dont l'humour décalé n'est pas étranger au caractère attachant qui est la marque de nos sympathiques anglais.

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À demain pour fêter Noël, vite fait, bien fait

MON TOP ALBUMS 2011. (4/5)

2011-12-22T20:26:00.030+01:00

- Amis lecteurs, votre mission, si vous l'acceptez, est de partir à la découverte des n°s 11 à 20 de cette enquête. Fin du message 4 qui ne s'autodétruira pas -

11. Sin Fang - Summer Echoes (Moor Music)

Venu du Nord, le farfadet Sin Fang tricote en solitaire bien entouré une dream pop lo-fi, cotonneuse comme un nuage vu en rêve et radieuse comme un dessin d'enfant.
Petit laboratoire à idées, le bricolo islandais assemble rythmiques subtiles, voix et choeurs en apesanteur, le tout recouvert d'une brume sonore propice au songe comme Sigur Rós. Summer Echoes est un disque lunaire et solaire où l'on doit se frayer son propre chemin, comme dans une forêt où Sin Fang, Petit Poucet musicien, prendra soin de guider l'auditeur, sourire en coin.

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12. James Blake - James Blake + Enough Thunder EP (Polydor)

Je vous entends d'ici : James Blake ? Son dusbtep vocal, sa voix maniérée, son côté si peu fun.
Oui, mais comment passer sous silence que le petit prince du dubstep fut un des héros de l'année ? Et qu'avec son premier album, il fut celui qui révéla au grand jour les vertus d'un genre confidentiel ? Après, qu'on lui reproche un côté consensuel, qu'on vénère ou pas son climat rigoriste et ses facéties avec Bon Iver, n'en reste pas moins qu'en vrai passeur, le jeune anglais a joué son rôle. Et a signé parmi les plages les plus hypnotiques de l'année (Wilhems Screams) à prolonger sur son EP de l'automne.

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13. Treefight For Sunlight - Treefight For Sunlight (Bella Union)

La pop venue du Nord n'a pas fini de nous surprendre et les Treefight for Sunlight en sont une autre preuve.
Jeunes danois aux pop songs colorées gorgées de choeurs euphoriques et claviers sautillants, ce quatuor à la joie enfantine et mélodies radieuses ose un mix vitaminé entre sunshine pop et psyché rock à la MGMT. Insouciance et song writing en extase : une parenthèse enchantée à la joie communicative. Un vrai rayon de soleil.

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14. Ane Brun - It All Starts With One (Balloon Rangers)

Voici un album somptueux, folk de luxe et écrin de choix pour la voix troublante d'une chanteuse trop peu reconnue. It All Starts With One est un doux vertige tissé par la blonde suédoise au sommet de son art.
Territoire apparemment calme mais d'une grande intensité, cet album brille d'arrangements scintillants (cordes et percussions à tomber) fruit des meilleurs orfèvres nordiques. Écouter Worship, son duo inspiré avec José González, c'est déjà succomber au reste de ce bel album.

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15. Wild Beasts - Smother (Domino Records)

Une des plus belles réussites pop de cette année, Smother est un séduisant refuge en suspension porté par le falsetto haut perché du chanteur Hayden Thorpe.
Pop à la production et percussions subtiles, traversée par un souffle vibrant, la musique des Wild Beasts incite à la rêverie et à un dynamique retour sur soi. Enfants du glam 70's ou des méconnus Associates, ces animaux brillants et plus civilisés que ne laisse entendre leur nom mériteraient vraiment qu'on s'occupe plus d'eux.

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16. Cascadeur - The Human Octopus (Mercury)

2011 aura été l'année du petit Cascadeur français, casse-cou sentimental à la voix tombée du ciel.
Répondant aux espoirs que portait son EP Walker, Alexandre Longo a bâti tout seul The Human Octopus, son petit refuge pop privé, entre mélancolie fragile à la Patrick Watson et monde de l'enfance revisité.
Mélodiste lumineux, arrangeur doué, le pianiste lorrain caché derrière son casque habille de lumière son spleen et de ludisme ses rêveries personnelles qui nous ressemblent. Attachant personnage.

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17. Low - C'Mon (Sub Pop)

La beauté du spleen. Les américains de Low n'en démordent pas : la joie est dans la mélancolie.
Et comment leur donner tort quand, avec C'Mon, ils retrouvent leur grâce passé de maîtres du rock slowcore ?
Dépouillées mais intenses, les compositions de nos vétérans sont d'une rare efficacité célébrant les vertus de la simplicité au service d'un feeling rock plus Neil Youngien que jamais. Quand, en plus Alan Sparhawk et Mimi Parker alignent parmi les plus touchantes ballades de l'année ($20, Nothing But Heart), on a juste envie de vous dire : Come On.

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18. Loney Dear - Hall Music (Polyvinyl/La Baleine)

Emil est revenu !
Le petit prodige Loney Dear a beau nous livrer un opus moins fort que son fabuleux Dear John précédent (mais la barre était haute), je fonds toujours pour la folktronica intimiste et le doux spleen du baladin suédois.
Plus calme et apaisé, le voyage de Hall Music réserve cependant de beaux moments, joli recueil de mélodies pop élégiaques en apesanteur illuminé de la voix d'équilibriste sentimental d'Emil Svanängen. Radieuse balade.

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19. Toro Y Moi - Underneath The Pine + Freaking Out EP (Carpack)

2011, année pas seulement dubstep, mais aussi chillwave. Et dans ce style un peu fourre-tout, Toro Y Moi est celui qui tire le genre vers le haut.
Groovy, funky, rétro-seventies et mélancolie dance-floor, la pop inventive du jeune Chaz Bundik est l'un des purs plaisirs du genre cette année, qui mixe François de Roubaix et french pop avec joie. Déclinée deux fois : sur un évanescent Underneath The Pine et Freaking Out, EP plus électro groovy. Deux raisons de dire merci au petit Toro.

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20. Arno Mori - Musiques Pour le Vide (Arno Mori)

Un de mes plaisirs de l'année. Le jeune niçois Arno Mori compose une irrésistible ambient music sous forme de courtes pièces instrumentales, atmosphériques et dépouillées qui sont autant de véhicules immédiats pour nos souvenirs, impressions, émotions personnelles.
Un art précieux à la forte teneur sensorielle, au dépouillement jamais austère mais toujours poétique. Le tout sous les doigts d'un jeune créateur autodidacte aux multiples talents qui sont à découvrir tout de suite sur son site. Un nouvel album, Boccaland, est d'ailleurs sorti depuis.
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对后续行动 (à suivre)

MON TOP ALBUMS 2011. (3/5)

2011-12-21T22:30:00.035+01:00

Chapitre 3. Où nos héros découvrent avec joie les lauréats n°s 21 à 30 :

21. Zomby - Dedication (4AD/Naïve)

Sélectionné tardivement, Dedication est le disque surprise de cette sélection.
Album honteusement négligé à sa sortie, Zomby signe pourtant une singulière exploration en terre dubstep.
Électro machinique et glacée, la musique du jeune producteur anglais est une dérive fascinante, bande-son idéale de nos cauchemars intimes. Beats syncopés, samples et vocaux hantés (dont Panda Bear) dessinent un décor de fin du monde, dont cependant, on fouille avec curiosité les recoins. Petit regret : la brièveté du voyage et de ses courts morceaux.

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22. Love Inks - E.S.P. (Hell, Yes!)

Minimaliste en diable, l'indie pop de Love Inks est l'illustration du "less is more": moins d'effets et peu d'instruments pour plus de plaisir.
Épuré et direct, E.S.P. est illuminé par la voix sensuelle de Sherry LeBlanc, autour de laquelle ses complices ont tissé un écrin cotonneux envoûtant duquel on ne veut plus sortir.
Dans un créneau indie fort encombré, ce trio auquel on s'attache en un éclair, entre néo Young Marble Giants et The xx en plus dynamiques, ne révolutionne rien mais impose son évidence.

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23. John Maus - We Must Believe The Most Pitiless Censors Of Ourselves (Upset The Rhythm)

Curieuse célébration à laquelle nous invite John Maus, énigmatique ballade dans un radicalisme disco pop martelé à coups de claviers glacés et nappes de synthé vintage.
Entre relecture du post-punk 80's et new wave sépulcrale à la Joy Division, l'américain décalé célèbre les noces du minimalisme et de l'activisme, du romantisme pince-sans-rire et de l'intégrité rock. Rétro-futuriste et malicieuse, une bizarrerie à l'énergie diablement stimulante.

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24. Gruff Rhys - Hotel Shampoo (Wichita/Turnstile)

Heureuse époque pour la pop anglaise qui compte un autre prétendant au titre de nouveau Brian Wilson ou Burt Bacharach en la personne de Gruff Rhys.

Avec son insouciant Hotel Shampoo, le gallois débonnaire vient de signer la plus radieuse carte postale pop de l'année, petite bulle d'insouciance et de légèreté intemporelle parfumée d'arrangements vintage craquants.
Plus pop de luxe qu'easy listening kitsch, une lotion musicale à verser dans son bain musical et applicable dans toutes les occasions.

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25. Idaho - You Were A Dick (Talitres)

Slowcore : pas mort, et tant mieux. Avec cet album inespéré, Jeff Martin, taciturne leader d'Idaho, perpétue l'art du rock introspectif dont il fut l'un des plus dignes artisans dans les année 90.
Pas sûr qu'il rameute les foules avec son album ouaté où s'épanouit l'air de rien sa douce mélancolie, distillant une harmonieuse lumière en demi-teintes, mais on s'en fiche. Un art subtil, réservant une collection de vraies perles habillées d'un piano rêveur et intimiste.
Un peu de lumière en cet hiver et ça fait du bien.

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26. Connan Mockasin - Forever Dolphin Love (Because Music)

L'oiseau rare de l'année. On n'oublie pas comme ça le lutin Connan Mockasin, néo-zélandais à la voix de pantin suraigüe avec son Forever Dolphin Love déroutant, porte d'entrée de sa pop aquatique décalée qui fit sensation au printemps.
Peu convaincu alors par l'aspect malsain de son grand disque malade, force est d'avouer que je suis revenu depuis à son indie pop barrée, zébrée de jazz et de psychédélisme Pink Floydien.
Si sa formule aurait mérité à être moins délayée, avouons que cette étrange parade inquiétante, mise au service parfois de vraies perles pop, a de quoi fasciner.

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27. Vetiver - The Errant Charm (Sub Pop/Bella Union)

L'harmonie : voilà ce qui caractérise The Errant Charm, disque le plus fondant de l'année.
Certainement l'opus le plus pop de Vetiver, ce disque modeste distille sans y toucher la plus radieuse des vignettes folk pop signés du paisible Andy Cabic.
Une grâce d'artisan au service de compositions d'une fluidité chaleureuse et sensuelle.
Une élégance peu vue depuis la sunshine pop des sixties, qui ne changera pas le monde de la pop, mais délicieuse comme votre sieste en été.

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28. Erland And The Carnival - Nightingale (Full Time Hobby)
Pop sixties ou psyché rock légèrement décadent, c'est une curieuse parade de printemps que les anglais d'Erland And The Carnival nous ont offerte.
Un song writing apparemment classique en fait déréglé par un goût du baroque et de l'étrange qui fait se balader le groupe d'Erland Cooper entre Doors alternatifs et héritiers des tocades sonores de Syd Barrett. Déroutante fête au parfum de douce étrangeté, mais inventif et accueillant Nightingale.

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29. Part Time - What Would You Say ? (Mexican Summer)

Avec What Would You Say?, spleen électro-rock droit sorti des brumes des soirées blêmes des années 80, Part Time signe la plus désabusé mais attachante des virées.
Autant hommage à l'électro-pop des pionniers de Suicide et relecture de l'italo-disco que journal de bord des déambulations de son leader David Speck, une échappée qui échappe au simple flash-back pour proposer la relecture bien actuelle d'un genre inspirant décidément toujours le monde de l'indie rock.

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30. The Middle East - I Want That You Are Always Happy (Play It Again Sam/PIAS)

Album déroutant, aussi sombre et désolé que solaire et lumineux, I Want That You Are Always Happy est un voyage folk au long cours, sans boussole, dans les territoires libres d'une Americana ancestrale.
Perles au spleen slowcore, pièces quasi expérimentales et ballades fraternelles émaillent le parcours de cette équipée peut-être hétéroclite. Mais qui témoigne du caractère singulier de la bande menée par Jordan Ireland, formation folk imprévisible attachante, de la trempe des Lost In The Trees.

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zu folgen (à suivre)

MON TOP ALBUMS 2011. (2/5)

2011-12-20T20:30:00.037+01:00

Épisode 2 de mon petit hit-parade, n°s 31 à 40. Let's go, again!

31. The High Llamas - Talahomi Way (Drag City/PIAS)

Avis aux admirateurs du talent perdu de Brian Wilson, le génie californien s'est depuis longtemps réincarné en Sean O'Hagan, leader des méconnus High Llamas. Plus de vingt ans que ces orfèvres alignent des merveilles pop sans faire de bruit et qu'on aimerait qu'on souligne leurs mérites.
Avec ce Talahomi Way serein, songe sixties entre Buch Bacharach et Beach Boys ressuscités, la pop easy listening des anglais atteint un ravissement rare de tous les instants. Une pure gourmandise.

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32. The Last Morning Soundtrack - A Distance. A Lack. (Tlms/Yoann Buffetteau)

Un rêve d'indie folk pour un hiver radieux : Sylvain Texier l'a fait. Intimiste, fragile et pourtant solide, la musique de The Last Morning Soundtrack diffuse sa douceur raffinée, sa délicatesse subtile et révèle les bienfaits de la mélancolie.
En cousin français d'Elliott Smith et Damien Rice, le jeune rennais construit une douce bulle à la rare musicalité et aux vertus finalement régénérantes. Pas peu content de voir figurer ce bel album dans mon modeste top.
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33. I'm From Barcelona - Forever Today (EMI)

Un disque qui devrait être remboursé par la sécurité sociale! Depuis longtemps, la bande d'hurluberlus de la chorale suédoise d'Emanuel Lundgren répondait à nos envies de plaisir collectif et désir de célébrer l'instant.
Mais avec ce Forever Today festif, les I'm From Barcelona ont insufflé une énergie jamais prise en défaut tout au long de ce troisième opus.
Une dizaine de vignettes électro pop sur-vitaminées, véritable concentré de feel good music. Et c'est encore plus irrésistible sur scène !
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34. Korallreven - An Album By Korallreven (Hybris)

Découverte sur le tard mais sitôt adoptée, la pop éthérée de Korallreven rêve des îles polynésiennes depuis la Suède.
Résultat : un ravissement électro rempli de vocaux en suspension naviguant entre chillwave hédoniste et pop évanescente.
On largue les amarres en compagnie de Daniel Tjäder et Marcus Joon en souhaitant secrètement ne jamais revenir. La solution est de se lover dans leur musique sinueuse et atmosphérique, un rêve d'atoll en un séduisant territoire indie pop.

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35. Still Corners - Creatures Of An Hour (Sub Pop)

Atmosphérique et langoureux, un des albums les plus hypnotiques de 2011 par une des révélations de l'année. Still Corners nous enveloppe avec plaisir dans les brumes d'une dream pop éthérée entre Mazzistar et Broadcast.

Un rêve sonique éclairé par la voix évanescente de Tessa Murray qui aurait fait des merveilles il y a vingt ans en égérie vocale des cauchemars filmés de David Lynch. Un territoire musical bien connu, mais revisité avec grâce et intensité qui devrait instiller dans vos jours et vos nuits une fièvre durable. spotify

36. Jonathan Wilson - Gentle Spirit (Bella Union)

Le nouveau venu Jonathan Wilson doit venir directement des années 70. Pas possible autrement, lui qui livre avec Gentle Spirit un album qu'on pourrait croire croirait signé du Crosby, Still, Nash & Young de l'époque.
En prise directe avec l'âme du Laurel Canyon, ce baladin moderne revisite les grandes heures du folk rock west coast, digressions psychédéliques d'époque y compris, avec la dextérité et l'élégance d'un guitariste et song writer souvent inspiré.
"Life is a melody" entonne-t-il dans le morceau-titre. Et il sait sacrément bien la fredonner.
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37. Cant - Dreams Come True (Warp)

Étonnant album que voilà, réunion de Chris Taylor échappé de Grizzly Bear et de son ami Twin Shadow.
Mélange de synth pop déconstruite et d'expérimentation aux accents shoegaze, un singulier laboratoire d'idées et défrichage sonore qui ressuscite la noirceur des années 80 et invente l'air de rien ses propres règles.
Résultat : un des disques les plus originaux de cette année, mystérieux et pourtant accessible. À deux, on est plus fort, Cant le confirme avec éclat.
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38. Blood Orange - Coastal Grooves (Domino Records)

On n'en finira pas avec les années 80. Tant pis, et surtout tant mieux, quand elles sont revues avec gourmandise par un bizarre farfouilleur comme Blood Orange.

Nouvel alias du remuant Devonte Hynes, ce nouveau costume est en fait celui qui lui sied le mieux en néo Terence Trent D'Arby qui jouerait du Japan.
Navigant entre clinquant et minimalisme, cette déambulation sort du lot du revival eighties par sa virtuosité nonchalante et son esthétisme catchy où brille son jeu de guitare néo-sixties. Une approche perso pour cet exercice de syle au petit je-ne-sais-quoi qui fait sa touche particulière.
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39. Peaking Lights - 936 (Not Not Fun)

Psyché pop, dub rock, indie primitive : on pourrait décliner à loisir les étiquettes pour définir l'album sorti de la stratosphère des Peaking Lights.
L'important est surtout que cette oasis brumeuse est un parfait nuage de musique en apesanteur pour une virée aux effets psychotropes aux effluves rétro-modernes. Montez donc sur le petit manège radieux de ce couple californien accueillant : effets relaxants et curatifs immédiats.
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40. My Morning Jacket - Circuital (ATO Records)

Voilà bien l'album d'un groupe boulimique, refusant de choisir entre rock, blues, prog rock ou indie pop, Supertramp ou Mercury Rev.

C'est précisément ce qui charme chez My Morning Jacket, le gang de Jim James, ce goût de tout brasser, moderne ou ancien, ballades candides ou pièces épiques.

Et que la déco manque parfois de recherche ou que le patron soit un peu rustre importe finalement peu : il fait bon se faire gentiment chahuter dans cette chaleureuse auberge espagnole.
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al seguir (à suivre)

MON TOP ALBUMS 2011. (1/5)

2011-12-19T21:00:00.091+01:00

Nous voilà rendus à l'heure des bilans et comme lu sous la plume de Cédric sur SWOMMB, l'exercice est tellement attendu et de saison, entre la dinde et la bûche, qu'il peut sembler accessoire, même obsolète. Mais avouons le plaisir qu'on à revisiter, choisir, réévaluer, mettre en liste nos favoris musicaux de l'année.

Choix partial, subjectif, avec des oublis et des choix injustes mais qui n'engage donc que soi, avec ses goûts et critères persos.
Un Top 50 en 5 étapes, un choix de 10 pour chaque jour de la semaine, qui commence donc par la fin. Allez, let's go !

41. The Leisure Society - Into The Murky Water (Full Time Hobby)

De futurs petits maîtres pop que The Leisure Society et tout le monde s'en fiche ou presque.
Des anglais bien élevés, voire désuets, capables de retrouver la verve des Kinks dans un écrin à la Divine Comedy de Neil Hannon dont le chanteur Nick Hemming a d'ailleurs la voix.
De la pop anglaise, lumineuse et rêveuse comme il faut. Élégante et allègre. Trop polie peut-être, pour attirer l'attention? Mais les amateurs de vraie bonne pop savent déjà leur nom.
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42. Other Lives - Tamer Animals (TBD/PIAS)

Ces animaux-là ont failli rester hors de mon zoo.
Pourtant salués comme des prodiges à la rentrée, je suis resté longtemps à la porte du nouvel album des folkeux menés par Jesse Tabish : beau disque, nul doute, mais un peu trop sage ou appliqué.

Et puis à force de les voir tous les jours, me suis pris d'affection, parfois trop teintée de respect mais sincère, pour ces ballades ouvertes aux grands espaces entre Midlake et Ennio Morricone.

Un écrin soigné qui met en valeur les qualités de leur écriture folk pop à la hausse. Tant pis s'il manque un petit grain de folie, il y souffle une jolie brise.
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43. Jay-Jay Johanson - Spellbound (Universal Music)

L'ami suédois est revenu avec son éternel trip-hop mélancolique, mais plus nu et désolé qu'à l'habitude.
Bonne idée : en épurant sa musique jusqu'à l'os, Jay-Jay Johanson rejoint le spleen de ses idoles, Chet Baker en tête.
Classique, intemporelle et plus humaine, la musique intimiste du grand flandrin, faite pour être écoutée chez soi, affiche une séduction renouvelée digne de bandes-son cinématographiques. De l'art de déprimer avec joie sous sa couette.
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44. Baxter Dury - Happy Soup (EMI)

Longtemps abonné au rôle de fils de star, voire loser glandeur, 2011 aura été l'année de l'ami Baxter, nom Dury.
Happy Soup aura donc révélé à tous le charme de crooner du cockney anglais, transformant ses déboires amoureux en vignettes pop minimalistes et décalées.
Le disque le plus cool de l'année, à la recette musicale lo-fi mais efficace, cet album bien estimé ici mais pas de manière exagérée, grimpe souvent très haut sur les marches d'autres tops. Ça, c'est le mystère du coup de foudre.
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45. SBTRKT - Sbtrkt (Young Turks)

2011, année de la révélation à tous du dubstep ? Sans nul doute même si SBTRKT n'est pas le nom le plus exposé du genre.
Mais pour un dubstep dansant, solaire et dynamique qu'on doit surtout à la pratique night-clubber et la culture house de Aaron Jerome, sorcier du son caché derrière son masque africain.
Feeling soul, groove jamais pris en défaut, voix sensuelles : une vrai cure d'énergie permanente, avec autant l'envie de charmer vos oreilles que votre envie de danser.
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46. Iron And Wine - Kiss Each Other Clean (4AD)

On peut dire qu'on lui est tombé sur le dos à Sam Beam d'Iron & Wine à la sortie de ce disque.
Trop produit, trop afro-pop seventies, trop gentil, pas assez ceci ou cela. Album un poil hétéroclite il est vrai, mais parcouru de beaux moment presque free-jazz ou ethno pop et de ballades à tomber, Kiss Each Other Clean est pourtant un refuge folk sur lequel la voix chaleureuse de l'artiste n'a jamais été aussi harmonieuse. Trop, on va me dire.
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47. Jono McCleery - There Is (Counter Records)

2011, année de la révélation à tous du dubstep, épisode 2 ? Ce n'est pas Jono McCleery qui dira le contraire.
Nouveau venu à la voix de soul man et à la sensibilité folk, il humanise un genre souvent un peu froid et offre une des échappées les plus libres de l'année.
Inégal, son album alterne grands moments et plages plus hésitantes. Mais la fraîcheur de son inspiration et la bouffée d'air frais qu'il propose font du bien.
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48. Yann Tiersen - Skyline (Mute)

Deuxième album de pop électrique et rock planant après Dust Lane, le Skyline de Yann Tiersen confirme le parcours singulier du musicien breton, prompt à se remettre en question. Un parcours libre et intrigant, souvent inventif.
Un peu moins puissant ou équilibré sans doute que le précédent, mais passionnant à décrypter.
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49. Dark Dark Dark - Wild Go (Melodic)

Jeune groupe pratiquant un curieux mélange, entre traditions des Balkans, musique de rue et indie alternative, Dark Dark Dark a encore un talent un peu vert.
Seulement, capable de signer de vraies perles comme Daydreaming et possédant le trésor de la voix de leur chanteuse Nona Marie Invie, voilà un groupe à surveiller de près les années qui viennent en écoutant Wild Go, leur prometteuse carte de visite.
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50 ex aequo. Stranded Horse - Humbling Tides (Talitres)

Mariage du bocage normand et des terres africaines, la musique de Yann Tambour est un joli voyage, serein et apaisant, qui incite au rêve. Dommage que je ne sois pas convaincu par toutes les escales du parcours, parfois trop sages ou éthérées, qui me font rester trop souvent sur le rivage.
Mais pour de convaincantes noces entre les cordes et la kora, comme sur Shields, l'excursion mérite le détour.
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50 ex aequo. PJ Harvey - Let England Shake (Island/Universal Music)

Elle a failli ne pas figurer ici, la PJ. Mais, rattrapée par les cheveux, ex aequo et bonne dernière, elle est là.
Pas que son Let England Shake soit mauvais, juste que mon intérêt pour l'anglaise n'est pas à la hauteur des louanges médiatiques qui l'ont accompagnée. Et mon goût pour son folk rock alambiqué a inexorablement faibli au fur et à mesure de l'année.
Mais parce que c'est un des rares opus de sa part qui m'ont intéressé et pour Written On The Forehead, sa meilleure chanson, je devais cette place, même piteuse, à miss Harvey. Pas trop fâchée, Polly Jean?
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to be continued

REPLAY 2011 (11, fin). DESTROYER

2011-12-18T17:23:00.032+01:00

C'est déjà le dernier Replay de l'année, onze pour l'an 2011, la semaine qui vient étant celle de l'exercice du "sacro-saint-pas-original-mais-inévitable Top de fin d'année" auquel je sacrifierai comme beaucoup, mais avec plaisir.

Pour ce dernier rendez-vous j'aurai pu sortir un disque peu attendu, du genre ambient expérimental d'Oneohtrix Point Never ou afro-beat de Kouyaté-Neerman, deux disques qui changeraient un peu, ma foi.

Et puis au risque de passer pour pas original - le disque étant chouchou de pas mal de revues, sites et blogs en pagaille - finalement on clôt la série et l'année en beauté avec cet album paru en janvier, trop rapidement déjà évoqué ici.

"Kaputt", le neuvième album de l'étrange song-writer canadien Dan Bejar, capitaine d'un Destroyer qui n'en fait qu'à sa tête, est donc un des gagnants surprises de cette année et le sommet actuel de sa discographie hétéroclite où l'oiseau a fait preuve de la plus totale liberté (glam, rock, folk ou obsession perso pour Bowie, on est deux alors).

Ici à la tête d'une soft pop seventies élaborée à la Steely Dan avec le son glacé et soyeux de claviers tout droits sortis des eighties, c'est à un singulier voyage, entre easy listening, pop FM années 80 sophistiquée et new pop funkysante enluminée de volutes de saxo désuets, qu'il nous a convié :

Bizarre et risqué saut spatio-temporel où le capitaine Bejar, malgré le séduisant régressif retour dans le temps qu'il procure aux trentenaires et quarantenaires en leur offrant le son de leur jeunesse, prend le risque de flirter avec la muzak, avec ces choeurs féminins sensuels ET too much et surtout ce saxo moelleux omniprésent à la David Sanborn.

Ainsi, comme un funambule en équilibre instable entre modernité indie pop et rétro-kitsch, passé et présent, standards pop et expérimentation conceptuelle, Destroyer réussit au bout du compte à nous embarquer à son bord.
Le projet est, c'est vrai, immédiatement séduisant (comme les splendides "Savage Night At The Opera" ou "Suicide Demo For Kara Walker" avec son gimmick kitsch à la flûte) mais l'entreprise peut se lire aussi d'une autre manière :

Vu l'esprit de l'hurluberlu et la teneur sombre de ses paroles lancées d'un ton railleur (critique des urbains et du monde de la musique sur le morceau-titre : Wasting your days / Chasing cocaine to the back rooms of the world all night / Sounds, smash hits, melody maker N.M.E. / All sound like a dream to me), Dan Bejar fait penser à un receleur qui aurait soigné l'habillage clinquant de sa marchandise pour mieux en dissimuler la noirceur et l'amertume.

Sous le vernis de pop songs glacées renvoyant au eighties voyantes (Avalon de Roxy Music, la pop funky d'ABC, les années yuppie de Bowie) "Kaput" opère un insidieux et rieur travail de sape, comme la production immaculée de Prefab Sprout révélait en fait la profonde introspection et mélancolie des chansons de Paddy McAloon.

La référence évidente de cette madeleine sonore atypique qui a pourtant embarqué des passagers que les lubies de ce drôle de navigateur n'ont pas effrayé, mais au contraire bien réjoui. Tant mieux !

Destroyer - "Song For America "

Tracklist :
1. Chinatown
2. Blue Eyes
3. Savage Night At The Opera
4. Suicide Demo For Kara Walker
5. Poor In Love
6. Kaputt
7. Downtown
8. Song For America
9. Bay Of Pigs (detail)

Destroyer. "Kaputt"(Merge/Differ-ant) sorti le 25 janvier 2011
♥♥♥♥
en écoute sur spotify & deezer
3 titres sur la Playlist Replay 2011
à lire sur muffin man, little reviews, SWOMMB et les inrocks

myspace destroyer

Bientôt les tops de l'année

REPLAY 2011 (10). LOVE INKS

2011-12-17T23:30:00.015+01:00

Pour ce "Replay", encore un disque paru avant l'été, et toujours bêtement négligé à l'époque.
Nous voilà fin 2011 et le voici réhabilité grâce à la simplicité de sa formule qui fait des (petites) merveilles : drum machine + guitare tricoteuse + basse ondoyante + voix soyeuse = plaisir immédiat servi par Love Inks sur leur album "E.S.P".

Une formule pourtant fort connue depuis l'ère post-punk et new wave et qu'on pourrait croire souvent usée et pas toujours concluante (voir Chairlift ou Warpaint). Car manier des ingrédients si simples nécessite tout de même qu'une étincelle jaillisse pour emporter la conviction.

Heureusement, le trio de Love Inks la possède grâce à ses chansons, minimalistes et gracieuses. Son climat, épuré et cotonneux propice au mystère, tissé par Adam Linnell et Kevin Dehan. Et surtout la voix sensuelle et atmosphérique de son atypique chanteuse Sherry LeBlanc, voisine des langueurs de Hope Sandoval ou du magnétisme de Victoria Legrand de Beach House) :

Un disque dont la légèreté et le minimalisme n'ont l'air de rien mais finalement vous accompagnent sur la longueur, alternant bombinettes pop (Blackeye), pièces plus capiteuses (Skeleton Key) ou reprise rock (le Rock On de David Essex).

Qu'importe que parfois la formule semble moins prégnante, tant l'ensemble, pourtant de courte durée, possède une belle unité. Et puis, on fond quand un groupe est capable de vous offrir les petites perles que sont le beau "In My Dreams" ou l'addictif "Leather Glove" :

Finalement, malgré les nombreuses références qu'il évoque (la figure historique des séminaux Young Marble Giants d'abord) et des cousinage récents (du minimalisme de The xx au climat brumeux des Chromatics), l'épure modeste mais gracieuse de Love Inks est une belle réussite du revival indie comme la dream pop vaporeuse des Still Corners, autre jolie révélation de cette année.

Rien de nouveau sous le soleil ? Quand c'est réalisé avec tant de fraîcheur et de talent, on aurait tort de bouder son évident plaisir.

Tracklist :

1. Wave Goodbye
2. Blackeye
3. Leather Glove
4. Can't Be Wrong
5. Skeleton Key
6. Down And Out
7. Too Wild
8. Rock On
9. In My Dreams
10. Too Late

Love Inks. "E.S.P." (Hell, Yes!/PIAS) sorti le 3 mai 2011
♥♥♥♥
en écoute sur spotify & deezer
3 titres sur la Playlist Replay 2011
à lire sur hop blog, nextmusic, magic et un petit mot par Dominique A

love inks

PIERS FACCINI et IBRAHIM MAALOUF ont charmé La Sirene

2011-12-17T23:18:00.039+01:00

Jeudi 15, c'était mon dernier concert de l'année à La Sirene mais ce fut encore une belle soirée, malgré les vents furieux qui soufflaient au dehors.
Un beau moment d'échange, une parenthèse chaleureuse en compagnie des deux passeurs que sont Piers Faccini et Ibrahim Maalouf. Si l'expression "citoyens du monde" n'était pas si galvaudée à longueur de temps par les médias, c'est quand même celle-là qui leur irait le mieux.

Folk, musique slave, blues africain, latin jazz, occident, orient : ces deux musiciens libres, et amis dans la vie, métissent tout avec gourmandise et on les suit sans hésiter avec le plaisir de les voir brasser avec autant de générosité toutes les racines qui ont nourri leurs musiques.

Soyons clair, je suis plus coutumier du folk cristallin de Piers Faccini que de la trompette jazz Ibrahim Maalouf, même si la réputation de virtuose de ce dernier, d'ailleurs vedette de la soirée, m'était connue.

Étrange situation de le voir acclamé par un large public plutôt d'âge mûr plus habitué aux beaux théâtres de centre ville qu'à une scène rock en quartier industriel comme La Sirene. Curieux de voir applaudir à tout rompre ses intros de morceaux ou l'attaque de chacun de ses musiciens : l'homme soulève l'enthousiasme et fédère.

On comprend vite pourquoi : immédiatement sympathique, tchatcheur, jovial, et surtout très très grand musicien. De l'or au bout des lèvres dès qu'il souffle dans l'instrument et soulève une foule de sentiments, entre spleen méditatif, souffle spirituel et appel de la beauté. Une réputation non usurpée :

Seul problème pour ce spectacle souvent détonant : je ne suis pas sensible à la formule jazz-rock électrique choisie par Ibrahim dans ces lieux, entouré de musiciens virtuoses (Frank Woeste au Fender Rhodes, François Delporte à la guitare électrique, Laurent David à la basse et Xavier Rogé à la batterie).
Virtuoses, mais assénant une énergie très hard rock, avec riffs de guitare heavy metal, batterie en plomb à faire vibrer le sol (!) et longs solos magistraux mais ennuyeux à la longue de chacun, qui contrastait avec la dentelle du jeu, digne du grand Jon Hassell, du trompettiste Maalouf.

Lequel se permettait tout : taquiner le clavier en blaguant sur Vincent Delerm, jouer le musicien schizophrène, revisiter la musique bretonne et surtout, atteindre au superbe sur un "Beirut" déchiré et émouvant, grand moment de son album "Diagnostic" et de ce concert :

Hormis cette divergence esthétique, voilà un homme d'une énergie et générosité emballantes. En témoigne le moment où il partageait la scène avec Piers Faccini au chant, chacun manifestement honoré de la présence de l'autre, ce dans le concert de chacun. Bel exemple d'admiration mutuelle.

Une soirée qui avait de toute façon débuté sous les meilleurs auspices, ceux du timbre voilé du folkman anglo-italien : entendre sa voix a capella entonner un blues d'esclave américain dans une salle plongée dans le noir et résonner d'un écho spirituel à filer le frisson donne le ton de ce concert magnifique.

Une prestation d'une ferme élégance et grande musicalité, entamée avec des ballades alanguies, poursuivies par des virées afro-folk sous des cieux exotiques (Tribe, Dreamer) suivies par un public pas forcément connaisseur mais de plus en plus conquis par son magnétisme :

Signe d'un concert réussi, la set list enchaînait avec des titres plus rapides et plus âpres, histoire de montrer que la voix douce de Piers Faccini cache aussi un vrai showman capable de remuer son audience, parlant à l'occasion avec respect avec le public. Et un orfèvre musical entouré d'excellents complices (très doués batteur Simone Prattico et violoniste Rodrigo d’Erasmo).

Photos du groupe : Stéphane Schmutz www.stemutz.ch

Le moment où Ibrahim Maalouf apparut pour illuminer "The Beggar & The Chief" de ses volutes magiques ne faisait que confirmer ce que tout le monde (j'espère) avait perçu : le temps d'un soir, La Sirene était en lévitation entre ciel et terre, sur un petit nuage de partage et de grâce.

Un avant-goût de la période de Noël peut-être, ou un répit pacifique offert par deux hommes de bonne volonté. Diablement efficace alors, car la tempête qui soufflait encore à la sortie n'a pas réussi à me l'enlever. Merci à eux deux.

À retrouver, l'un sur son bel album "Diagnostic" et l'autre sur l'IN-DIS-PEN-SABLE "My Wilderness"

ibrahim maalouf
piers faccini
la sirene

REPLAY 2011 (9). IDAHO

2011-12-16T22:00:00.025+01:00

Voilà un disque hors des modes qui nous ramène au moins quinze ans en arrière. Ce qui pourtant ne l'empêche pas d'être à mes yeux (oreilles) hautement recommandable : souvenirs émus pour ceux qui vibrèrent à l'écoute des Red House Painters, Swell, Lambchop ou American Music Club.

L'époque fructueuse - même si toujours trop confidentielle - des vaillants hérauts du rock slowcore, discrets représentants d'une Americana introspective et sensible dont Idaho fut un des artisans.

À notre époque touchée par l'amnésie, pas étonnant que ce nom évoque peu de choses, sa musique trop peu spectaculaire n'ayant d'ailleurs jamais touché le plus grand nombre.
Pas grave, tellement ce nouvel album, inespéré depuis six ans, du solitaire Jeff Martin perpétue avec une belle harmonie et tranquillité l'art en demi-teintes d'un courant finalement vivace qui n'a pas dit son dernier mot, le dernier album de Low en est le meilleur exemple.

Intimistes et désolées, les courtes pièces d'Idaho ne respirent pourtant nullement l'abattement, juste une beauté chiffonnée et souveraine :

Disque changeant sous ses airs paisibles et accueillants (piano apaisé, voix feutrée, choeurs enrobants) "You Were A Dick" privilégie les formats courts, alterne ballades intimes (superbe Flames), rocks feulés plus électriques (The Space Between) et courts instrumentaux.
Une sorte de bréviaire, peut-être imparfait mais attachant, qui donne corps et âme, voire énergie à la mélancolie rêveuse et positive du "beautiful loser" Jeff Martin.
Autant épanchement de son humeur que source de joie, le tout d'une élégance vraiment intemporelle :

Peut-être trop intemporel dans une période avide de nouveauté, fut-elle éphémère et périssable. Mais alors que les hypes qui s'affichent partout risquent vite de disparaître de notre mémoire, m'est avis qu'on réécoutera encore dans quelques années avec affection et plaisir cet opus épanoui et finalement insaisissable.

Et après tout, que son nom circule partout ou soit ignoré des tops de fin d'année, quelle importance ?
Une fois que vous aurez poussé la porte de son abri biscornu, l'album d'Idaho vous sera devenu une adresse que vous serez content de fréquenter.

Tracklist :

1. You Were A Dick
2. Weigh It Down
3. Reminder
4. Impaler
5. Structure
6. The Serpent And The Shadow
7. The Happiest Girl
8. The Space Between
9. Someone To Relate To
10. Up the Hill
11. A Million Reasons
12. The Setting Sun
13. Flames
14. What Was That?
15. Waited For You

Idaho. "You Were A Dick" (Talitres) sorti le 27 juin 2011
♥♥♥♥
en écoute sur spotify & deezer
3 titres sur la Playlist Replay 2011
à lire sur little reviews, pop revue express et article sur magic

idaho.com
bandcamp

REPLAY 2011 (8). SBTRKT

2011-12-14T21:00:00.015+01:00

Voila un disque zappé cet été dernier et redécouvert à la faveur d'une programmation tardive un weekend de novembre sur France Inter.
Et surtout, un replay qui tombe à point nommé pour diffuser ses bonnes vibrations et redonner l'énergie qui nous manque avec ce temps plombant. De bonnes ondes groovy, électroniques et dansantes pour une version colorée et dynamique du dubstep.

Ainsi, les compositions remplies de house, soul et culture électro de SBTRKT révèlent un territoire accueillant et un versant moins radical du dubstep.

Une halte salutaire qui ravira les night clubbers exigeants ainsi que vos oreilles friandes de sons inventifs, comme l'atmosphérique "Hold On"et son xylophone addictif :

Car derrière un pseudo imprononçable et étrange, mais vite éclairci ("Sbtrkt" pour substract) se cache derrière un masque des arts primitifs, le sorcier-producteur Aaron Jerome, DJ expert en rythmes dansants et boucles addictives.

Moins sombre que celle de Burial, moins épurée que celle de James Blake, sa version de la dubstep, sensuelle et accessible, tour à tour house, pop ou atmosphérique, s'adresse autant à votre corps avide de danser qu'à votre âme sensible à la sensualité de son groove lumineux.
Le tout habillé des voix chaudes de nombreux invités : Little Dragon, Jessie Ware et surtout le timbre élégant de Sampha qui marque d'un feeling vibrant cette jolie fête sonore, et qu'on retrouve à ses côtés en scène :

Hédoniste, immédiate et décomplexée, sa musique obéit à une belle énergie vitale sans sophistication extrême ou noirceur excessive qui repose bien l'esprit, sans compter les racines électro et house auxquelles il renvoie (la house de Detroit années 90) additionnées d'une notable touche ethno sur les percussions (Go Bang).

Modeste mais rempli d'un courant d'air fais salutaire, "SBTRKT" devrait vous redonner la lumière que décembre refuse de nous dispense ces temps-ci et se déguste de fait comme une savoureuse friandise à consommer sans nulle crainte de l'indigestion.

Tracklist :

1. Heatwave
2. Hold On (ft. Sampha)
3. Wildfire (ft. Little Dragon)
4. Sanctuary (ft. Jessie Ware and Sampha)
5. Trials Of The Past (ft. Sampha)
6. Right Thing To Do (ft. Jessie Ware)
7. Something Goes Right (ft. Sampha)
8. Pharaohs (ft. Roses Gabor)
9. Ready Set Loop
10. Never Never (ft. Sampha)
11. Go Bang
12. Living Like I Do (ft. Sampha)

SBTRKT. "Sbtrkt" (Young Turks/XL Recordings) sorti le 27 juin 2011
♥♥♥
en écoute sur spotify et deezer
3 titres sur la Playlist Replay 2011
à lire sur des chips et du rosé, little reviews et magic

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REPLAY (7). THE LAST MORNING SOUNDTRACK

2011-12-13T21:00:00.041+01:00

Voici un modeste papier sur un disque dont je n'aurais pas effectué l'écoute (et ça aurait été dommage!) si je n'avais pas été aiguillé par l'avis enthousiaste d'un de mes collègues blogueurs et ami, Muffin Man*.

* Je vous conseille (ordonne!) la lecture régulière de ses pages. Au programme : recettes gourmandes sucrées et chroniques musicales savoureuses relevées de l'enthousiasme chaleureux qui le caractérise, à lire ici.

Disque sorti au printemps dernier, "A Distance. A Lack." est en fait un album qui prend toute sa dimension cet hiver.
Un refuge contre les vents mauvais et les bourrasques, à l'intimisme pudique et à la douce architecture sonore, entre solitude nue et mélancolie consolatrice.

Un vrai disque d'indie folk digne des meilleurs orfèvres U.S. pourtant signé ... d'un petit français, le rennais Sylvain Texier sous le nom de The Last Morning Soundtrack.
Fruit d'une longue maturation artistique, cette "bande-son du dernier matin" respire autant une mélancolie introspective et fragile, fruit de questionnements personnels de l'auteur, qu'un constant appel vers l'épanouissement et l'apaisement.

Épurées et allant à l'essentiel, ses compositions à l'apparente fragilité de libellule révèlent une solidité sculptée dans la luminosité d'arrangements raffinés (guitare acoustique claire, violons et violoncelles soyeux, glockenspiel enchanté, toy piano aérien, voix doublée entêtante).
Une délicatesse de porcelaine, un matin d'hiver irisé de givre au ciel bleu radieux :

De sa douce invitation, Sylvian Texier marie les folk songs intimistes de Damien Rice ou d'Elliott Smith avec le ravissement enfantin de Pascal Comelade ou la tendre nostalgie d'un Yann Tiersen première manière.

Pour résumer simplement : un beau disque, plus d'une fois touchant (les babillements d'enfant sur Around The Bend, la nudité de Such A Cold Winter) se refermant sur un Last Chapter d'une belle intensité.

The Last Morning Soundtrack - "A Snowman in Summer"

J'aurais mis le temps, mais une fois entendu l'oasis musicale de ce dernier matin, difficile de se défaire de cette "bande-son" d'une pureté salvatrice.
De celle capable d'une seule note de vous faire oublier la morosité de cet hiver humide et maussade et surtout, de vous faire partager les vertus de la mélancolie, celle qui soigne et guérit de tout.

Merci encore à Fabrice

Tracklist :
1. Heartbeats & Headache
2. A Snowman In Summer
3. Empty Frames
4. Locked-in Syndrome
5. Around The Bend
6. Your Escape. My Guiltiness.
7. Your Wedding Day
8. Such A Cold Winter
9. The Belated Promise Of Lovers
10. The Last Chapter

The Last Morning Soundtrack. "A Distance. A Lack." (Tlms) sorti le 28 mars 2011
♥♥♥♥
en écoute sur spotify et deezer
3 titres sur la Playlist Replay 2011

à lire sur the muffin man
interview sur the muffin man et vidéo-interview sur fma

The Last Morning Soundtrack
myspace
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REPLAY 2011 (6). ANE BRUN

2011-12-10T23:30:00.013+01:00

Voilà un disque d'hiver par excellence, album-cocon à écouter chez soi bien au chaud et dont la quiétude classique apaisera vos éventuelles tensions. Calme et apaisé, mais ne l'empêchant pas de vibrer d'une belle chaleur contagieuse.

"It All Starts With One" est le nouvel album d'Ane Brun (qu'on prononce Ana Broun), élégante chanteuse norvégienne, aux racines folk, et dont ce quatrième album, à l'orchestration et arrangements de grande tenue, est plus ouvertement pop.
Belle occasion, si vous la connaissez mal, de découvrir la voix chaude et expressive de la demoiselle dans cet écrin soigné et atmosphérique.
Entouré de complices de talent (First Aid Kit, Loney Dear à la batterie, José González de Junip en duo), elle y rayonne de toute l'expressivité de sa voix au vibrato troublant, bien plus vivant que celui d'une Alelia Diane :

Et la production de Tobias Froberg et de Peter Moren (de Peter Bjorn & John, une référence), est un vrai modèle d'élégance et d'intensité illuminé de cordes tombées du ciel, à la Jean-Claude Vannier, et percussions subtiles.
Un emballage luxueux idéal pour révéler la pureté de chansons épurées qui, derrière leur apparente quiétude, révèlent une vraie gravité, voire solennité dramatique pudique (touchants The Light From One et Undertow).
Quant au duo avec José González, c'est un sommet folk pop magnétique tissé de leurs voix complémentaires :

Ane Brun - "Worship"

Album classique mais d'un accomplissement évident, "It All Starts With One" est une douce réussite, plus emballante, dans un sillage artistique proche, que les derniers opus trop timides d'Agnes Obel ou Lykke Li, et par moments, proche de la clarté du dernier My Brigthest Diamond.

Lumières éclairant la nuit ou l'inverse, un bel opus où la norvégienne rejoint la séduction grave dispensée sur les derniers albums de son indispensable consoeur suédoise Anna Ternheim et dont la voix aérienne évoque plus d'une fois celle de sa compatriote trop rare, Anneli Drecker, l'âme des Bel Canto.

À noter que l'album existe en édition deux disques, le second encore plus intime, constitué de titres bonus, folk ou acoustiques, souvent au piano, dont une touchante ballade triste de fin en espagnol. Bonne raison de s'attarder encore avec elle :

Ane Brun - "Alfonsina Y El Mar"

Tracklist :
1. These Days

2. Words
3. Worship (feat. Jose Gonzalez)
4. Do You Remember
5. What's Happening With You And Him
6. Lifeline
7. One
8. The Light From One
9. Oh Love
10. Undertow

Disc 2 :
11. Dirty Windshield
12. Take It Slow
13. One Last Try
14. Queen And King
15. Du Gråter Så Store Tåra (English version)
16. I Would Hurt A Fly
17. Another World
18. Alfonsina Y El Mar

Ane Brun. "It All Starts With One" (Ballon Ranger Recordings/Universal) sorti le 20 septembre 2011

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